電影論文大全11篇

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篇（1）

在《西方的沒落》一書中，斯奔格勒指出在希臘語言中沒有空間一詞，希臘人心目中的空間實際上就是事物的位置、距離、范圍和體積。在電影中，空間可以具體為故事得以發(fā)生發(fā)展的場所。馬爾丹認為電影在處理空間時有兩種方式：再現(xiàn)空間和構(gòu)成空間。[3]（P.170）這兩種方式實際上對應著長鏡頭與蒙太奇兩種不同的創(chuàng)作方法。在影片中，蒙太奇與長鏡頭往往是并存的，因為它們都是電影必不可少的技術(shù)手段。但從美學意義上講，兩者的對峙是顯而易見的。蒙太奇重主觀表現(xiàn)，長鏡頭重客觀再現(xiàn)。按照蘇聯(lián)蒙太奇學派的觀點，蒙太奇是指把被攝對象分割成一個個鏡頭，再依照創(chuàng)作者的觀念重新組合以產(chǎn)生新的意義，借此表達創(chuàng)作者對該對象的態(tài)度和看法。長鏡頭美學的倡導者——安德烈•巴贊則認為電影是完整的寫實主義的神話，是再現(xiàn)世界原貌的神話。[4]（P.21）巴贊反對以創(chuàng)作者主觀意志為轉(zhuǎn)移的蒙太奇，提出以長鏡頭代替蒙太奇：“只要把被蒙太奇分散處理的各元素集中表現(xiàn)在一個選擇恰當?shù)溺R頭中就足夠了”。[4]（P.61）這個“選擇恰當?shù)溺R頭”，不動聲色地隱藏藝術(shù)家的觀點，讓影像成為“十足的現(xiàn)實”。同時，它還能實現(xiàn)蒙太奇用若干個鏡頭完成的景別、節(jié)奏等各種轉(zhuǎn)換。這正是巴贊從德•西卡、奧森•威爾斯等人的影片中所看到的景象。可見，有一定長度的長鏡頭是一個可以涵蓋所有鏡頭類型的完整的鏡頭語言系統(tǒng)，其核心正是備受巴贊推崇的段落鏡頭和景深鏡頭。

“電影之重新發(fā)現(xiàn)空間是同有意識地運用景深和放棄最后造成空間時間化和觀念化的蒙太奇美學有關(guān)的”。[3]（P.183）蒙太奇締造空間的辦法是許多片斷的并列和聯(lián)接，而這些片斷彼此之間可以毫無聯(lián)系。比如庫里肖夫名為“創(chuàng)造的地理”的實驗，他將五個在不同地點拍攝的鏡頭組接成一場戲，人們卻無法看出其中的破綻，認為空間在這里是統(tǒng)一的。這種統(tǒng)一感實際上是基于空間感的失去才獲得的。因為在蒙太奇的統(tǒng)攝下，“藝術(shù)家的工作就是將素材加以安排……使觀眾不去探求時間與空間的聯(lián)系。”[5]（P.74）如此一來，空間自始至終只是觀念上的。馬爾丹在分析愛森斯坦的《戰(zhàn)艦波將金號》時說：“我們是絕對不可能對敖德薩全城、它的港口和海灣的地理位置具有明確概念的，影片從未表現(xiàn)過任何全景，以使我們能看到戰(zhàn)艦距碼頭臺階有多遠”。[3]（P.171）如果采用強調(diào)寫實的長鏡頭方法來拍攝，無疑能避免這種缺憾。長鏡頭關(guān)注的焦點是每個鏡頭內(nèi)部的表現(xiàn)力，在現(xiàn)場場面調(diào)度下，攝影機忠實地記錄下各事物的位置、大小以及彼此之間的關(guān)系，并且保持一種連續(xù)性。因而，長鏡頭所表現(xiàn)的空間是完整而統(tǒng)一的。這種統(tǒng)一不同于上述純想象性的統(tǒng)一，它作用于觀眾的現(xiàn)實經(jīng)驗而被感知。正是通過長鏡頭，電影影像得以將現(xiàn)實的空間關(guān)系呈現(xiàn)在觀眾的眼前。

在一次訪談中，楊德昌說：“電影一開始就是在記錄人類生活片段，并且可以重復呈現(xiàn)，讓更多人認識不同的生活經(jīng)驗。我們喜歡看電影，其實是在看別人的生活經(jīng)驗，并從中得到一些訊息，這是生物的本能特性。”在談到蒙太奇時，他說：“我們到電影學校學的蒙太奇，其實是因為技術(shù)的限制才產(chǎn)生的一種剪接方法。早期機器要上發(fā)條，只能拍20秒，影片要用很多20秒連接起來，其實這就是剪接，是被逼出來的。”[6]楊德昌強調(diào)電影的紀錄功能，并且把電影與生活以及人關(guān)注現(xiàn)實的本性聯(lián)系在一起，這與巴贊對電影本質(zhì)的看法相當契合。蒙太奇在楊德昌的心中也恢復了最初的面目，是一種將鏡頭連接起來的技術(shù)。由此可見，楊德昌是個不折不扣的長鏡頭理論的擁護者，而他的影片可以說都是以長鏡頭為中心拍攝而成的。

空間在楊德昌電影中具有一種直觀性。以《牯嶺街少年殺人事件》為例，觀眾可以像主人公小四一樣對他家的結(jié)構(gòu)和方位了然于胸，一樣熟悉從建國中學回家的路。不需要對比蒙太奇，小四家的簡陋、小馬家的富麗、眷村的破敗，同樣產(chǎn)生了強烈的視覺沖擊效果。楊德昌電影最常見的是用長鏡頭來表現(xiàn)全景、中遠景以及景深。通過冷靜客觀的長鏡頭，這些鏡頭的內(nèi)涵得到充分展示。《牯嶺街少年殺人事件》中小四得知小明的背叛，雙手抓著門框有如受難基督的全景鏡頭就給人以深刻的印象。小四殺死小明后，人物被置于毫無阻擋的大全景中，小明兀自躺在地上，小四低頭叫她，然后蹲下身一邊哭喊一邊想將她拉起來，在他身后，書攤前的人自顧自看書，幾個女學生有所察覺，遠遠地、驚愕地看著這一切，一個過路人也駐足觀望，人物的絕望無助和恐懼不安靜靜地彌漫整個畫面空間。再如景深，巴贊認為景深鏡頭是實現(xiàn)空間統(tǒng)一的最好方法，因為它大大拓展了銀幕的縱深感和寬度，彌補了立體感不足的短處。景深鏡頭還可以使同時出現(xiàn)在一個畫面中的前后景產(chǎn)生一種關(guān)系，將人物的內(nèi)在情緒和外在環(huán)境的氣氛表現(xiàn)得淋漓盡致。比如《牯嶺街少年殺人事件》的第二個鏡頭，小本論文由整理提供

四身后看不到盡頭的走廊就構(gòu)成了一定的景深，暗示了主人公不可預知的未來。

楊德昌的影片中也有蒙太奇段落。巴贊說：“若一個事件的主要內(nèi)容要求兩個或多個動作元素同時存在，蒙太奇應被禁用。”[4]（P.60）有時，楊德昌放棄了單個長鏡頭，而采用了長鏡頭的蒙太奇段落。比如《麻將》中紅魚和父親會面這場戲，楊德昌用了四個長鏡頭的蒙太奇段落來表現(xiàn)。鏡頭在父子兩人之間切換，在每個長鏡頭內(nèi)部都有變化，攝影機有時固定，有時運動，畫面上有時父子同時出現(xiàn)，有時只有一個人。這使得鏡頭語言在保持客觀的同時，顯得更加豐富而不單調(diào)。

二

“一場戲劇或一場舞蹈的空間，是通過在舞臺上展示出的活動力顯示出來的；當演員們穿過舞臺時，力的擴展就變成了真實的物理力的擴展。它們之間的空間深度距離也就由演員們的相互離去而展現(xiàn)出來。”[7](P.522)電影與戲劇一樣，其空間關(guān)系也依賴于人的活動來展現(xiàn)。電影中的空間不是靜態(tài)的背景，而是與人物相結(jié)合的動態(tài)的元素。這也是許多電影導演青睞于表現(xiàn)封閉環(huán)境的原因。楊德昌就是其中之一。詹明信指出楊德昌的《》“像是提供了一個封閉公寓和個別的房間的故事選集”。[8](P.182)這種封閉式的空間在《獨立時代》中可謂登峰造極。這部影片中幾乎沒有真正意義上的外景，主要場景是寫字樓、咖啡廳、電梯間、演播室等室內(nèi)空間。僅有的幾個室外場景，人也被置于汽車內(nèi)或者兩堵墻之間。有這樣一場戲，后景中沒有任何街景和建筑，小明和立人處在人潮包圍之中，前景中川流不息的車輛和行人遮住兩人的身影，給人極不開闊的感覺。置身這種環(huán)境，人的活動就顯得尤為重要。人的活動是與外部世界聯(lián)系的唯一的紐帶，人的活動也使整個封閉空間具有了一種活的流動性。

在以長鏡頭為主導的影片中，段落鏡頭，即一場戲一個鏡頭拍到底，是最核心的表達方式。段落鏡頭可能是一個固定鏡頭，也可能是一次長時間的運動鏡頭。在這里，攝影取代了剪輯成為影片成敗的關(guān)鍵環(huán)節(jié)。攝影機也真正代替了人的眼睛，它的固定與運動，就像是人的眼睛時而凝視，時而顧盼環(huán)視。而人在看電影時，視線也會不自覺地跟隨攝影機的運動方向。電影中的運動大致有兩種，一是單向的，只有人的運動，攝影機不動；一是雙向的，即人物與攝影機同時運動。要表現(xiàn)空間的大小、遠近不同就要變化攝影機的位置、拍攝角度以及焦距等等。這些都與攝影機的運動息息相關(guān)。移動鏡頭可以說是區(qū)分楊德昌與侯孝賢在運鏡方式上的一個顯見標志。侯孝賢執(zhí)著于固定機位，楊德昌同樣倚重攝影機的運動。影片《麻將》中，紅魚槍殺邱董的一場戲中的三個長鏡頭，通過攝影機的運動，在客廳到大門這個活動范圍內(nèi)從近景到中遠景，最后定位在全景將紅魚與邱董的所有動作一氣呵成地表現(xiàn)出來。用攝影機拍攝影片同照相一樣，都有一個焦點，或者說一個中心，在攝影機的運動下，這個中心自然左右上下變動，而攝影機的主要表現(xiàn)對象也會因之不停變化，造成中心的分散。《牯嶺街少年殺人事件》中有一個備受贊譽的長鏡頭：起初，攝影機對準在街口拐角處一個在書攤前看書的一個學生，當“小四”的畫外音響起時，他從書攤溜走，由畫面左下方出畫。小四與小明先后在后景出現(xiàn)，攝影機搖向右邊迎上他們，當兩人走到畫面正中時，騎著自行車的小馬出現(xiàn)，攝影機隨即緊跟小馬搖拍，將小四和小明拋在鏡頭外。攝影機搖了近180度后固定下來，對面的街景顯現(xiàn)出來，景深處小馬的身影已隱去，小四和小明又從畫的底端走進畫面，先前的那個學生也從右上角重新入畫，面對面向他們走來，再出畫，攝影機又以小四和小明為中心，看著他們漸漸走遠。隨著攝影機拍攝對象的三度變化，同時完成了空間上的變換，在觀眾腦海里，對于三叉路口向兩邊延伸的牯嶺街也有了一個大致上的輪廓。

攝影機的運動在楊德昌電影中是比較緩慢的。他的影片中完全看不到特呂弗、戈達爾等人影片中那種依靠攝影機在人物之間的快速橫移，或者是攝影機突然迅速轉(zhuǎn)動來完成的空間轉(zhuǎn)換。比如說《獨立時代》里Birdy在Molly的辦公室洽談授權(quán)書事宜這場戲，攝影機起先固定不動拍攝坐在桌子上的Molly，Birdy站在她的身旁喋喋不休，接著后退出畫，攝影機也并不著急，到Molly說話時，攝影機反而動起來，慢慢轉(zhuǎn)向拍攝Birdy。而在場面調(diào)度上，楊德昌顯然借鑒了安東尼奧尼的做法：當一個人進入另一個人所在的空間時，另一個人迅速出畫，或者一個人進入了另一個人的空間后迅疾再度出畫。上面提到《獨立時代》的那場戲也就是這種調(diào)度方法。在此調(diào)度下，導演為用畫外音表現(xiàn)畫外空間埋下了伏筆。

三

由于攝影機的“畫框”與銀幕邊框的存在，觀眾看到的影像必定是受一定框架限制的。電影構(gòu)圖應當考慮到在畫面中如何在“框”的范圍內(nèi)盡可能完整地表現(xiàn)被攝對象。楊德昌對此倒是不以為意甚至反其道行之，他的鏡頭下總是會出現(xiàn)不完整的人和物。除此之外，他經(jīng)常借助墻、門、窗、帷幕等實物人為制造出空間的割裂，讓觀眾只能看到被遮擋的人和物，使有限的空間越發(fā)顯得不完整。研究者多稱此法為“框架構(gòu)圖”。楊德昌的影片大多描寫現(xiàn)代都市中人與人交流的困難，人際關(guān)系的冷漠與疏離。通過這種構(gòu)圖法，導演試圖將物理空間同人物的心理空間對應起來，表現(xiàn)人的分裂、隔膜與空間對人的擠壓，以此烘托影片的主題。在《一一》中，楊德昌對“框架構(gòu)圖”的運用可謂得心應手。置身于狹長的走廊和過道上的人，從狹窄的門縫看房間里人的活動等等畫面屢見不鮮。巨大的墻面玻璃，時髦的觀景窗戶時時擋在人物的前面，玻璃窗映射出的若隱若現(xiàn)的其它景觀也阻擋著人的視線。觀眾必須透過層層屏障去看，由于看得不真切，無形之中就拉大了與影片中人物之間的距離，現(xiàn)代文明社會中個體的孤獨與他者的拒斥得以凸現(xiàn)出來。

楊德昌曾說過，在現(xiàn)代社會中，人是需要有自己私人的空間的。所以，在他的影片中有許多“框架”將人與人分隔開來。但這些分割后的空間仍然承載交流和溝通的功能。《一一》中有這樣一個鏡頭：婷婷與麗麗在樓道中無言的對峙，門框和墻上斑駁的陰影將兩人隔開，好似在不同的空間中，雖近在咫尺，卻無法接近。另一場戲中，男主人公NJ隔著玻璃門看到日本人大田與鴿子嬉戲。此時的兩人還相當陌生，正是這扇門外的景象使NJ開始拉近與大田的距離。影片《獨立時代》的最后一場戲通過電梯門的一開一關(guān)與其連接的門內(nèi)、門外兩個空間，將琪琪和小明兩人的關(guān)系由結(jié)束到新開始的轉(zhuǎn)換完滿地襯托出來。從這一點來看，楊德昌影片的畫面構(gòu)圖雖然不完整，但畫面空間卻是具有開放性的。

就現(xiàn)代電影的發(fā)展而論，“電影的藝術(shù)與思想已經(jīng)深入到要檢討框外事物的階段，換句話說，電影本身是框內(nèi)與框外之間的微妙的牽涉與依存關(guān)系上的創(chuàng)作。”[9]（P.93）巴贊認為銀幕應該是窗而不是框。窗只是一種臨時性的遮擋，而窗外的空間是無盡的。這種看法可以追溯到文藝復興時期的繪畫理論。當時，“為了使繪畫空間從墻壁上獨立出來并創(chuàng)造景深，人們就要求在房間的物理空間和繪畫空間之間確定一條明顯的邊界線。由于這種繪畫空間被想象成本論文由整理提供

是無限的（不僅在深度上，而且在橫的方向上），所以這種繪畫的邊界線就僅僅象征著構(gòu)圖的邊界線，而不象征著所要表現(xiàn)空間的邊界線。正是在這個意義上，一幅畫的框架才被稱之為一個窗口。透過這個窗口，觀賞者就看到了另一個世界。雖然觀看受到了這個瞭望孔的限制，但實際看到的并不局限于從這個瞭望孔中看到的那一片世界。”[7]（P.319）電影影像為觀眾制造的是一種真實環(huán)境中真實的生活的幻覺。空間也是幻覺的一部分。追根究底，它是一種心理空間，因為觀眾對空間的想象是無法被隔斷的。電影銀幕的邊框與畫的框架非常相似，雖然阻擋著觀眾的視線，但同時也給觀眾預留下巨大的想象空間。通過電影銀幕展現(xiàn)的景象可以無限延伸到外部世界。

楊德昌電影的畫面構(gòu)圖正是利用框架的這種特性，在表現(xiàn)空間時超越了其限制。在他的電影中，空間可以說既是有限的，又是無限的。這個無限的空間是在有限的空間內(nèi)呈現(xiàn)出來的。這就要求影片營造出畫面內(nèi)空間與畫外空間的聯(lián)系。《一一》中有這樣一個鏡頭，酒店房間墻上的鏡框?qū)嬅嬉环譃槎究床坏降腘J接電話的場景通過鏡子反射出來。現(xiàn)實的和鏡中的影像就這樣奇妙地并存在一個畫面之中，讓人不禁驚嘆導演的匠心獨運。絕大多數(shù)情況下，楊德昌電影對空間的拓展是依靠聲音與畫面的關(guān)系來達成的。其一，聲畫結(jié)合。《牯嶺街少年殺人事件》中小貓王給獄中的小四送錄音帶一場戲，小貓王那熟悉的歌聲和他給小四的留言同時響起，配合畫面上小貓王漸漸離去的背影，讓人忘記了眼前的此情此景，回想起種種往事和美好的青春歲月。隨著看守人員的一句“那什么玩意兒”，歌聲和話語聲突然停止，畫面馬上切換到錄音帶被扔進垃圾筐的鏡頭，觀眾也立即被拉回到無情的現(xiàn)實中。其二，聲畫錯位。《一一》中NJ與初戀情人約會以及婷婷第一次與胖子約會的兩場戲，楊德昌運用蒙太奇的手法交叉剪輯在一起，父親NJ所在的日本場景中的聲音總是后延到女兒婷婷所在的臺北場景里，強化了兩個場景的前后承繼性。其三，畫外音。這也是最常見的一種手法。特別是在表現(xiàn)幾個人談話的場景時，畫外音的使用非常頻繁，憑借著聲音的不間斷，畫面空間與畫外空間緊密地連接在一起。

楊德昌是崇尚真實美學的，真實是其電影中的一個命題。他的電影總是力圖還原人類的生存環(huán)境。很多情況下，楊德昌電影中的空間具有和人同等的地位。他的影片中，環(huán)境往往先于人而出現(xiàn)。當人離開鏡頭后，鏡頭也不會立即切換。譬如《麻將》中紅魚和牙膏到安琪兒家看風水這場戲的第一個鏡頭。開始是客廳遠景，門鈴聲響起后，安琪兒從畫面左上方入畫穿過客廳出畫去開門并同紅魚打招呼，攝影機始終保持不動，停了一會兒后才切換。緊接著的鏡頭里安琪兒在大門口請紅魚和小牙膏進屋，攝影機跟拍牙膏的活動，先搖到小偏廳，再至客廳，旋轉(zhuǎn)了大概半周，最后停留在這場戲第一個鏡頭的位置。這場戲著重描畫大門口到客廳這一范圍，在符合劇情需要的同時，也強調(diào)了這個空間的重要性。影片后段香港被玩弄以至精神崩潰，紅魚槍殺邱董兩場重頭戲都發(fā)生在這里。另外，楊德昌電影中有許多“人物不在場”的空鏡頭。空間在這里已經(jīng)不單是背景，它也是影片中的一個“角色”，成為讀解的對象。正如讓•米特里所說，這些鏡頭為創(chuàng)造各種聯(lián)系和確定某種含義做出了貢獻，讓觀眾去深入思考人物與存在的環(huán)境乃至整個世界的關(guān)系。

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篇（2）

電影劇本創(chuàng)作是不是也應該在研究模式的基礎(chǔ)上進行呢？日本著名劇作家兼導演新藤兼人的說法很坦誠，他認為，一個劇作家首先要有好的“匠人氣質(zhì)”，他說：“要寫出好的電影劇本，首先要有良好的匠人，必須發(fā)揮匠人磨煉出來的技巧。電影劇本的藝術(shù)性，可以說就在于技巧精湛的匠人想什么，選定什么樣的主題。”他的觀點，好象和很多鄙視模式的人相左，然而如果我們考證一下電影劇本創(chuàng)作的實際情況就會覺得他的看法真的是很中肯的。

電影劇作的傳統(tǒng)模式

電影劇本創(chuàng)作是有模式的。我們知道，電影最初是向戲劇藝術(shù)學習敘事的。在電影成為藝術(shù)之前數(shù)千年，戲劇已經(jīng)就有著很高明的敘事本領(lǐng)了，電影在脫離雜耍演化成為一門人們心目中認可的藝術(shù)種類的時候，首先就借助了戲劇已經(jīng)積累了數(shù)千年的敘事經(jīng)驗。而這些經(jīng)驗其實就是模式。例如，從亞里士多德開始，戲劇就逐漸形成了結(jié)構(gòu)方面的模式：亞里士多德認為，戲劇的結(jié)構(gòu)必須分為頭、中、尾這樣的三段式。后來人們感覺在一出戲里特別重要，應該強調(diào)，就出現(xiàn)了“啟、承、轉(zhuǎn)、合”的說法。是黑格爾總結(jié)出“沖突律”的結(jié)構(gòu)思想的，他認為戲劇沖突是布局的依據(jù)，他進一步發(fā)展了亞里士多德關(guān)于“頭、身、尾”的三段式說法：“合式的起點就應該在導致沖突的那一個情境里，這個沖突盡管還沒有爆發(fā)，但是在進一步發(fā)展中卻必然要暴露出來。結(jié)尾則要等到?jīng)_突糾紛都已解決才能達到。落在頭尾之間的中間部分則是不同的目的和相互沖突的人物之間的斗爭。”其實，從那以后，直到今天，這已經(jīng)成為包括電影在內(nèi)的劇作藝術(shù)所普遍遵循的結(jié)構(gòu)法則。例如，在著名的劇作理論家勞遜所撰《戲劇與電影的劇作理論與技巧》一書中，即將以“沖突律”為核心的結(jié)構(gòu)原則引入了電影劇作理論。在電影劇作的教學領(lǐng)域里有一本廣泛流傳的教材：悉德.菲爾德撰寫的《電影劇本的寫作基礎(chǔ)》。其中在論述結(jié)構(gòu)的部分依然將“沖突律”作為劇作家必須嚴格遵守的定律，他認為：一部影片的開端就是建置沖突；中段就是發(fā)展沖突并使沖突雙方反復地較量；所謂就是沖突的總爆發(fā)是沖突的至高點，因此也就是沖突的決戰(zhàn)時刻；至于結(jié)尾，無非是沖突過后所產(chǎn)生的最終結(jié)果。可以說，以這樣的原則創(chuàng)作出來的電影劇本在今天仍然是電影結(jié)構(gòu)類型的主流。這種被今天的人們稱作“戲劇式結(jié)構(gòu)”的原則依然是我們進行電影劇作教學的基礎(chǔ)。如果不掌握這樣的結(jié)構(gòu)模式，人們就無法創(chuàng)作出《變臉》、《天地大沖撞》、《生死時速》、《離開雷鋒的日子》、《三大戰(zhàn)役》、《紅河谷》……數(shù)不勝數(shù)的電影劇本來。北京電影學院的學生經(jīng)常會輕視傳統(tǒng)的東西，然而他們最終在走向社會之后便發(fā)現(xiàn)，傳統(tǒng)的東西會成為看家的本事為他們謀一碗飯吃。

電影劇作情節(jié)的模式似乎比結(jié)構(gòu)的模式復雜一些，但模式化的傾向卻是再明顯不過的了。早在18世紀末，西方的戲劇家就將劇作的情節(jié)歸結(jié)為36種情節(jié)模式，這有名的36模式一直傳誦到今天，它依然是人們研究劇作情節(jié)的工具。當然，今天的很多電影劇作已經(jīng)超越出36模式之外，但36模式畢竟最大面積地涵蓋了電影劇作的情節(jié)。人們確實追求著對傳統(tǒng)情節(jié)模式的突破，例如那些被標榜作“新”的一次次電影運動都是以反叛模式為前提的。但是真正突破模式卻并不象人們想象的那樣容易。例如作為法國“新浪潮”電影主將的戈達爾，幾乎終生都在干著反情節(jié)劇的事情，但直到最后他也不得不自嘆未能逃出情節(jié)劇的圈子。他的作品《精疲力盡》和《瘋狂的比埃羅》依然是36情節(jié)模式中的第5種“捕逃”，顯然繼承了警匪式的道路片。作為“新德國電影”主將的法斯賓德在這個問題上似乎更聰明一點，他非常痛快地說自己追求的是拍攝“德國式的情節(jié)劇電影”。他的代表作《瑪麗婭.布勞恩的婚姻》一開始就使用了一個被人們千百次使用過了的情節(jié)模式：“誤以為丈夫已死而改嫁，其實未死之類。”這屬于36情節(jié)模式的第18種。

電影藝術(shù)是比之戲劇更加商業(yè)化的形式。有人將好萊塢比喻作制作電影的工廠，人們在這里進行著電影的批量生產(chǎn)。為了觀眾口袋里的錢，電影制作者的天才很大程度上表現(xiàn)在對觀眾喜聞樂見的模式的研究上。一旦某種模式贏得了高票房，那種模式就會成為大量生產(chǎn)的樣板。說來，電影從某種意義上說就是一種“樣式”的藝術(shù)，例如在戲劇中，你只知道有“古典主義”、“浪漫主義”、“現(xiàn)實主義”或“自然主義”戲劇等等，卻沒有什么“西部戲劇”、“功夫戲劇”、“驚險戲劇”……然而，在電影藝術(shù)中，將作品分為“恐怖片”、“驚險片”、“言情片”卻是天經(jīng)地義的事。藝術(shù)家們可以鄙視模式化生產(chǎn)的電影，但是他們卻無法回避模式化生產(chǎn)帶來的奇跡。好萊塢用模式化生產(chǎn)的方式統(tǒng)治著世界電影市場，創(chuàng)造著一個又一個另人目瞪口呆的票房神話！好萊塢最古老的敘事傳統(tǒng)來自于戲劇的“情節(jié)劇”模式，那是一種被稱作西方感傷戲劇的一個種類。劇中所講的通常是一個弱女子愛情和婚姻生活的不幸，而造成這種不幸的就常常是門第觀念的障礙。這種情節(jié)模式屬于36種中的第28種“因為門第或地位不同而不能結(jié)為婚姻”。這樣的模式創(chuàng)造出了一部部賺取觀眾眼淚的影片，不久前在全球創(chuàng)造出票房奇跡的《泰坦尼克號》便是這種模式的最新翻版。

模式與創(chuàng)新

人人想創(chuàng)新，但真正能夠創(chuàng)新的人絕不是僅僅鄙視模式的人，而是尊重模式并研究模式的人。我在劇作教學中常常發(fā)現(xiàn)這樣的情況：一個剛剛從中學校門踏入北京電影學院的學生大多懷著強烈的標新立異之心，希望能搞出點驚世駭俗的東西來。他們言必稱伯格曼、基耶斯羅夫斯基，寫出一些哪怕是伯格曼或基耶斯羅夫斯基也無法看懂的劇本來。然而到了大學三年級，他們便會驚慌或抱怨起來，說是基礎(chǔ)的東西都沒學會，連基本敘事的技巧也沒有。然而時不我待，他們常常就在恍惑之中走出了校門，面向了數(shù)億人構(gòu)成的觀眾……說來老師也有責任，比方說，當他們不屑一顧地說“那些東西太傳統(tǒng)”的時候，我們?nèi)绻茊栆痪洌骸澳悄隳苷f說傳統(tǒng)的意義是什么嗎？”是不是會給他們一個提醒？

事實上，我們?nèi)绻嵉匮芯浚蜁l(fā)現(xiàn)電影劇作觀念的發(fā)展并不是對傳統(tǒng)模式的徹底摧毀，而是對它不合乎時代要求和觀眾的新的審美習慣的那些部分的改革。就以前面我們提到過的“情節(jié)劇電影”的模式為例，它實際上也是隨著時代而發(fā)生著變化的。當?shù)诙问澜绱髴?zhàn)爆發(fā)或剛剛終結(jié)時，盡管描寫女人在婚姻愛情生活中歷盡磨難的情節(jié)模式依然在《魂斷蘭橋》、《雁南飛》、《鴛夢重溫》、《雨夜物語》、《一江春水向東流》、《白毛女》……一系列影片中重復著，但如果你再將阻礙兩個人美好愛情的原因歸結(jié)為門第觀念顯然就太不合時宜了。因為那時人們更加關(guān)心的是戰(zhàn)爭對人生的影響，所以在那些影片里，戰(zhàn)爭就代替了門第觀念而成為制造愛情悲劇的罪魁禍首。盡管如此，我們依然可以看到門第觀念的影子就象沒有變化完全的猴子留下了尾巴一樣。

從結(jié)構(gòu)模式上來看，情節(jié)劇電影太借重于巧合。千載難逢的偶然機緣幾乎成為制造人物命運大起大伏的原因和形成沖突的契機。在《魂斷蘭橋》和《雁南飛》中，人為制造的誤會決定了人物愛情的悲劇性命運；在《一江春水向東流》中，曠世難尋的巧合使被遺棄在千里之外的妻子恰巧來到了丈夫的豪宅當女傭，并恰巧在丈夫的婚禮上認出了自己那負心漢；《鴛夢重溫》更是將偶然的機緣作為情節(jié)突轉(zhuǎn)的動力，一個在戰(zhàn)爭中失去了記憶的富家男子與一個歌女結(jié)婚（這里依然保留著門第觀念的尾巴），但當他外出尋找工作的時候卻意外地（這種意外在那時的影片里卻常常是編劇濫用成癖的）被汽車撞倒，奇跡發(fā)生了——他想起了自己的身世，并回到自己戰(zhàn)前的家中當起了富翁，卻把歌女忘記得一干二凈！接下來便是歌女漫長的等待，等待他自己有一天能恢復記憶回到自己的身邊來。終于那一天到來了，觀眾在大團圓的結(jié)局中被感動得淚如泉涌……您可以一目了然地看到，這時雖然把戰(zhàn)爭當作了間離情人的罪魁，但實際上影片對戰(zhàn)爭并沒有多少批判，相反，故意制造出來的情節(jié)牽引著觀眾的心。現(xiàn)在，人們都會將法國“左岸派”電影人看作是對傳統(tǒng)情節(jié)劇的反叛者。但如果你仔細解剖一下他們的劇作就會很容易看到那些故事與傳統(tǒng)模式之間的親近關(guān)系。例如瑪格麗特.杜拉的《長別離》講述的依然是一個與《鴛夢重溫》幾乎一模一樣的故事：一個男人在二戰(zhàn)中失去了記憶，一個女人努力啟發(fā)他回憶過去。看來她的確是熟知那樣的傳統(tǒng)情節(jié)模式的，而且她利用了它來完成自己的創(chuàng)新。她摒棄了在那個男人身上制造偶然事件的情節(jié)劇方式，而是將注意力和筆墨都集中到表現(xiàn)女人的內(nèi)心創(chuàng)傷上，利用平凡的動作和細節(jié)來展示她可憐的希望，甚至直到最后我們也沒有等來一個大團圓的結(jié)局——那男子依然沒有恢復記憶。巧合沒有了，人為地煽情沒有了，大團圓的結(jié)局也沒有了，但是我們卻看到了對戰(zhàn)爭更深刻的批判和對人物更深層次的內(nèi)心的揭示。在她的另外一部名篇《廣島之戀》中，我們依然能夠看到傳統(tǒng)情節(jié)模式清晰的影子：一個法國女孩在二戰(zhàn)中愛上了一個德國士兵，女孩被家人關(guān)入地下室，德國士兵卻被打死。這顯然是36情節(jié)模式中的第29模式“愛戀一個仇敵”，即“被愛者為愛人的親族所仇恨”這一款。蘇聯(lián)電影《第四十一》便是這樣的情節(jié)，甚至在莎士比亞的《羅蜜歐與朱麗葉》時代這樣的故事已經(jīng)屢見不鮮了。杜拉在這里所做的無非是將情感冷漠化并將這個故事與廣島發(fā)生的戀情穿插起來，以此制造出一種跨故事和跨時代的理性思考氛圍。我們很難設(shè)想，如果瑪格麗特.杜拉不了解傳統(tǒng)的情節(jié)模式，她將如何完成自己的創(chuàng)新。

也許，我國電影的創(chuàng)新嘗試更能證明創(chuàng)新者與情節(jié)劇電影的聯(lián)系。在前的十七年中，我們的觀眾和電影創(chuàng)作者們并沒有對情節(jié)劇中過于借重巧合的結(jié)構(gòu)模式有什么反感，相反，人們常常會對失散多年的親人意外相逢這種“認親”模式感興趣。例如《達吉和她的父親》就是圍繞著“認親”展開情節(jié)的。甚至在《英雄兒女》這樣表現(xiàn)戰(zhàn)爭的影片中依然會有個兄妹找到親生父親的情節(jié)。應該說，直到過去的八十年代初期，這樣的觀念依然左右著我們的電影創(chuàng)作，《小花》在“認親”，《小街》在“認親”，《櫻》也在“認親”，甚至在試圖用紀實手法講述的《女大學生宿舍》中，同宿舍的上下鋪女生依然會突然發(fā)現(xiàn)對方竟是自己同母異父的姊妹！《紅色戀人》里，狗特務(wù)竟發(fā)現(xiàn)自己追捕的對象是自己的女兒！實際上，在此后第四代、第五代、第六代（如果有所謂“第六代”的話）導演的追求中，我們能夠看到的恰恰是對情節(jié)劇電影中不符合時代的部分特征的改革。例如在國產(chǎn)影片的創(chuàng)作中流行著一種情節(jié)模式：無論你歌頌的主角是醫(yī)生、警察還是導彈專家，你都需要將他們放在一種沖突之中：一方面是事業(yè)，而另一方面則是由親人或愛人所構(gòu)成的個人生活。比如一位警察，他不僅常常顧及不了自己的個人安危，而且會顧不上親人病危這樣的重大事情。他無法滿足老婆對生活的抱怨，甚至還要拒絕身邊年輕女性的追求。而他如果是一位身在邊疆的教師或醫(yī)生，就一定也會面臨這樣的困境，一方面親人希望他能調(diào)到大城市里生活，一方面他卻無法離開自己的崗位。這便是36情節(jié)模式中的第20種“為了義務(wù)而犧牲了自己的幸福”。漸漸地人們會感覺這樣的情節(jié)模式太過說教，就希望能將人物犧牲自己個人生活的過程中設(shè)計的困境更加自然一點、感情表達更有分寸一點、最后也不要太明顯的大團圓。例如：《沙鷗》寫的是一個女子為了排球事業(yè)犧牲自己個人生活的故事，盡管她的男朋友之死依然有人為安排的痕跡，但比以前的影片要自然得多了，而且在沙鷗的情感處理方面也不再象情節(jié)劇電影那樣聲嘶力竭地煽情；張元的成名之作《媽媽》依然寫了一個女人試圖使她所愛的人（盡管這次是兒子）神智康復的故事，這幾乎就是前邊我們所提到過的杜拉的《長別離》情節(jié)的現(xiàn)代版，而且這依然是一個“犧牲”模式的變奏——這個母親為作母親的義務(wù)而犧牲了自己個人的生活。但顯然他卻表現(xiàn)得更加冷靜。結(jié)局更加的冷酷——直到最終，那個母親也沒能使兒子的神智出現(xiàn)一點點可憐的奇跡。

電影劇作的新模式

當然，任何量變最終都有可能會帶來質(zhì)變。今天的影壇上肯定會有很多36種情節(jié)模式所框定不住的電影情節(jié)。例如你如果細細地查閱一下就會發(fā)現(xiàn)在36情節(jié)模式中沒有《為戴絲小姐開車》這類影片的情節(jié)類型。也就是說，人們在創(chuàng)新，而且創(chuàng)造出了新的情節(jié)模式。

在50年代以前的戰(zhàn)爭歲月里，無論個體還是社會都處在生死攸關(guān)的激變之中。人們關(guān)心的焦點當然就是表現(xiàn)為你死我活的重大事件或一個人出生入死的命運。所以，那個時候真正是“沒有沖突便沒有戲劇”，同樣的“沒有沖突便沒有電影”。電影結(jié)構(gòu)的“沖突律”模式首先是時代所賦予的。而那時的情節(jié)幾乎都表現(xiàn)為兩種突出的傾向：要么表現(xiàn)一個驚心動魄的、人命關(guān)天的外部事件，要么表現(xiàn)一個人物生生死死的坎坷道路。然而，當生活進入到50年代中期，戰(zhàn)爭已經(jīng)成為歷史，雖然進入了冷戰(zhàn)時期，但無論東方還是西方的社會內(nèi)部都出現(xiàn)了相對的穩(wěn)定。這時，即便西方國家，社會也在逐漸地向中產(chǎn)階級社會過渡，大多數(shù)人達到溫飽，失業(yè)問題不再象40年代中后期那樣突出。然而新的社會矛盾卻出現(xiàn)了，最突出的矛盾常常發(fā)生在兩個方面：一、人際關(guān)系的危機。物質(zhì)文明常常會帶來社會的異化和人類心靈的間離，盡管在繁華熱鬧的都市里人們依然感到難以派遣的孤獨。雖然你每天都在和人打交道，但真正的溝通卻成為了普遍的社會障礙。人們近在咫尺，心靈卻遠隔天涯。二、個人心靈深處的危機。物質(zhì)的滿足不能解決心靈的問題，人是唯一一種會探求生存意義的動物。這種探求在沒有衣食之憂的時代反而變得更加突出，因為只有這樣的時候人們才有可能思考這樣內(nèi)省的問題。正因如此，電影劇作關(guān)注的生活焦點也就必然從社會外在的危機（比如戰(zhàn)爭和失業(yè)），轉(zhuǎn)移到人類的內(nèi)部危機中來，將鏡頭對準了人與人之間的關(guān)系和他們的內(nèi)心情感甚至不成形的潛意識。如果好萊塢在過去的歲月里編織過灰姑娘變成公主的夢，今天人們似乎更需要編織的是在任何不同的個體之間都最終能夠突破障礙，結(jié)成親密關(guān)系的夢。

篇（3）

由于該影片集合了多部動畫作品的元素，一方面為了結(jié)合影片本身的風格；另一方面又必須符合動畫人物原有的基本特征，在故事情節(jié)的設(shè)計上就必須更加謹慎和巧妙。在“十冷”大電影影片中，故事情節(jié)以時間為主線索，無名主人公為了拯救世界修改時間，而后時空整體混亂，引發(fā)了一場修正時間順序的故事。時間的混亂，將不同時代、不同國家、不同類型的動畫帶來了平行時空，所有人物的生活都被影片創(chuàng)作者們以一種網(wǎng)絡(luò)思維的方式重構(gòu)故事內(nèi)容。互聯(lián)網(wǎng)時代，網(wǎng)絡(luò)媒介將內(nèi)容生產(chǎn)者和消費者［2］相連接，通過互動反饋，內(nèi)容生產(chǎn)者可以及時了解受眾的喜好，對故事內(nèi)容的重構(gòu)也更加符合受眾的心理需求，充分表達受眾的觀點，促使影片內(nèi)容更具吸引力，既迎合了網(wǎng)民的思維模式，又給予了創(chuàng)作者廣闊的發(fā)展空間。

二、海量吐槽，新潮接地氣

吐槽最早起源于日本漫才，意指挑毛病、找缺點以及揭老底的行為。［3］2012年后，該詞被廣泛使用于網(wǎng)絡(luò)，并成為網(wǎng)絡(luò)熱詞。影片的無名主人公以吐槽能量為攻擊特性，只要不斷吐槽就能夠收集能量。本影片中，將吐槽作為影片的重要元素，大量出現(xiàn)吐槽的情節(jié)。例如，學生吐槽四六級，時光雞作為上班族吐槽工作，年輕人吐槽單身，無名主人公吐槽時光雞啰唆、彈幕等直接吐槽；另一方面，側(cè)面暗示性的吐槽情節(jié)也頗多。例如，地球毀滅之日選在2012年12月21日，意在諷刺末日謠言；后人類要排隊進入宇宙終點站，意在吐槽人太多；匹諾曹和白雪公主之間的多處對話被吐槽秀恩愛以及瓊瑤劇的矯情等等。整部影片中，海量的吐槽情節(jié)并不是影片情節(jié)發(fā)展的重點，但卻占據(jù)了影片絕大部分內(nèi)容。這些與社會各類人群現(xiàn)實生活接近的眾多槽點，從受眾的角度表達了他們的心聲，促使高度娛樂化的“十冷”受到眾多粉絲的追捧。

篇（4）

（一）其他電影中的應用

藝術(shù)是對一種形式的創(chuàng)造，它體現(xiàn)的是另外一種獨特的風格，具有較強的視覺沖擊力，在表現(xiàn)藝術(shù)手法中經(jīng)常會使用一些材料，通常這些都是藝術(shù)設(shè)計的重要手段與基本元素。在創(chuàng)作過程中它可以體現(xiàn)出對客觀事物的認知，通常帶有感性色彩。換句話說，電影中體現(xiàn)的，實際上是藝術(shù)家在藝術(shù)處理過程中審美意識的體現(xiàn)，對客觀事物的完全真實的情感宣泄。

（二）色彩電影中的應用

電影中色彩元素的應用程序是一個藝術(shù)不可缺少的必要條件，色彩是一種無聲的語言，使用的膠卷如果沒有色彩，電影里所刻畫的生命將不復存在，影片的主題和一個又一個的典型圖像往往會在寂靜之聲中發(fā)揮巨大作用的情感表達。因此，彩色膠片的應用具有重要的意義。

（三）光的應用

沒有光無法拍攝到影像，有了光還存在著曝光上的技術(shù)問題。盡管今天的電影膠片感光度很高，電視攝影機對光的靈敏度也很高，在微弱的光線條件下都能獲得理想的影像。但是我們要想獲得藝術(shù)創(chuàng)作所需要的畫面影調(diào)色調(diào)，要想獲得曝光正確的畫面，這仍是電視攝影要認真研究的課題。那些研究光敏感電影的藝術(shù)家們，對光源的調(diào)整、創(chuàng)造、電影意境，通常可以發(fā)揮出激動人心的、可怕的甚至是恐懼的影響。一部電影所制造出的光影，往往能夠擊敗所有的藝術(shù)效果。

二、美術(shù)對電影的作用

今天的電影，是利用先進的電子技術(shù)、機械技術(shù)，并整合各種藝術(shù)技巧而形成的藝術(shù)作品。每一位電影藝術(shù)家都是藝術(shù)創(chuàng)作設(shè)計及電影造型制作方面的專業(yè)人才。所以電影與藝術(shù)是分不開的，電影是藝術(shù)的基礎(chǔ)，藝術(shù)卻是電影框架的基本要素。

（一）藝術(shù)是電影的基礎(chǔ)

電影是構(gòu)建獨特具有豐富的藝術(shù)表現(xiàn)形式和光與色、新的視覺效果的連續(xù)畫面表達。它將動態(tài)攝影幻燈片聯(lián)合在一起，以超越時間和空間的藝術(shù)想象顯現(xiàn)在銀幕之上。電影將虛幻的靜態(tài)的人物和事物以一個動態(tài)的藝術(shù)形式表現(xiàn)出來。如果建筑的基本要素是藝術(shù)，那么電影就是一個全面的視覺、聽覺以及混合了其他藝術(shù)形式的感覺。它是藝術(shù)發(fā)展到一定程度的衍生產(chǎn)品。

（二）藝術(shù)是電影藝術(shù)形象和典型的保證

一部優(yōu)秀的電影作品，總會塑造一些令人難忘的人物形象，并根植于觀眾的心靈。藝術(shù)家塑造的每一個優(yōu)秀的電影角色、令人印象深刻的場景圖像，都是電影藝術(shù)得以產(chǎn)生深厚影響的基礎(chǔ)。如果沒有藝術(shù)加工處理，那么，即使演員演得很好，可能觀眾也不會有很深的印象。此外，每一部電影的藝術(shù)風格也是不一樣的，比如有現(xiàn)代劇、歷史劇，即使由同樣的演員來出演，不同的角色，不同的作品，塑造的人物形象也會讓人耳目一新，給人以深刻印象。所以任何一個典型的藝術(shù)形象，都是美術(shù)藝術(shù)手段創(chuàng)造的結(jié)果。

（三）藝術(shù)留住美麗的電影風格

電影作為一種藝術(shù)形式，它能夠讓人感受到另外一種美。電影藝術(shù)創(chuàng)作中有一個類別——卡通動漫，大家并不陌生。為了實現(xiàn)動畫的效果，動畫電影中的卡通形象都是由簡單的線條輪廓繪制出來的，這些造型簡潔、可愛、形象夸張、色彩艷麗，深受廣大兒童的喜愛。這些以現(xiàn)實主義的藝術(shù)手法制造出來的，效果良好的動漫電影制作，一定會給人們留下深刻的印象。

三、美術(shù)在電影中的質(zhì)變

美術(shù)藝術(shù)融入電影，這是一個必然的、深刻的變化。在實踐中人們不斷進行著摸索探究。那么讓藝術(shù)變化的因素和手段究竟是什么？是攝像機和編輯。藝術(shù)大師尤特凱維奇曾談過某人利用達芬奇的名作《最后的晚餐》所做的一次實驗。實驗中，實驗者把畫面分割成N個鏡頭，當實驗者用特寫鏡頭突出表現(xiàn)畫面中的某個人物時，就完成了類似于剪輯的工作，同時，再重新安排順序，那么就揭示出壁畫的戲劇性質(zhì)。他還談到了自己的一些設(shè)想：“根據(jù)蒙太奇對列的規(guī)律，把一幅繪畫或壁畫的某些片段分成鏡頭，攝像機在畫布的平面上移動，或拉或推……一句話，就是富于詩意地和深思熟慮地運用整個豐富的電影技術(shù)，結(jié)果就能不僅產(chǎn)生理想的復制品，同時還能產(chǎn)生出以獨特形式表現(xiàn)某一作者思想的富于獨創(chuàng)性的影片。”這段話實際上說的就是通過攝影和剪輯的方法，使繪畫的中的靜態(tài)時間釋放出來，變?yōu)閯討B(tài)的時空，也將二維的繪畫實體，轉(zhuǎn)為二維空間實體投影，使它具有了電影的新品質(zhì)。通過電影的技術(shù)手段，這些轉(zhuǎn)化的二維實體投影失去了一般意義上的美術(shù)藝術(shù)形態(tài)，成為電影這一藝術(shù)形態(tài)；同時，由獨立的藝術(shù)手段而成為電影的藝術(shù)手段之一；不可忽視的是其由空間藝術(shù)變?yōu)闀r空藝術(shù)；由一個原創(chuàng)作品變?yōu)槎葎?chuàng)作；是一個個體的精神勞動變?yōu)槿后w的精神勞動的過程；并且是由純精神產(chǎn)品變?yōu)橄仁蔷哂袑嵱眯缘奈镔|(zhì)產(chǎn)品形態(tài)，再轉(zhuǎn)化為精神產(chǎn)品；由二維或三維造型實體經(jīng)過攝影機轉(zhuǎn)換為實體投影的二維畫面；具有鮮明的功利目的的實用性和具有多學科交匯的邊緣性。上述的種種品質(zhì)，使得電影美術(shù)成為電影的獨特元素，并具有它自己的藝術(shù)方法。

篇（5）

法國人盧米埃爾兄弟在1895年12月將《火車到站》搬上銀幕時，人們看到的是一個現(xiàn)實事件的復制品；7年之后，美國人埃德溫·波特拍攝了《一個消防隊員的生活》，出現(xiàn)了一組活動影像，一個影像中出現(xiàn)了“救火會”前的門鈴，門鈴下面是一張“有火警請拉鈴”的告示，接下來的一幅影像是一只正在拉鈴的手。這樣影像間出現(xiàn)了意義傳輸，出現(xiàn)了敘事。這一簡單的現(xiàn)象引起了關(guān)于“電影是什么”的討論：從電影是雜耍還是藝術(shù)，到電影是語言還是符號，再到電影是精神癥候還是意識形態(tài)；關(guān)于電影的隱喻也從畫框到窗戶，再到鏡子。整個電影理論的發(fā)展史再現(xiàn)了20世紀哲學與審美的發(fā)展史，電影成為了20世紀幾乎所有的哲學、美學思想和方法論的演武場，電影理論由此而成為“顯學”，但所有這些討論都圍繞著一個最基本的命題展開的：電影是什么?

這些討論事實都維系著各自的理論立場和出發(fā)點，如果將這些理論放在同一個出發(fā)點的平臺上進行討論，其結(jié)果只能是風馬牛不相及的事，因此．將這些理論各自的出發(fā)點弄清楚是電影研究的基本功。

一、從“電影是什么”到“電影研究是什么”

當安德列·巴贊將他的論文集題名為《電影是什么》時，顯然是一個關(guān)于電影本體論的設(shè)問，但當這一設(shè)問成為電影理論研究的基本命題時，我們實際要面臨的是兩個問題：作為電影的最基本要素是什么?電影研究的出發(fā)點是什么?

通常有兩種電影：一種是現(xiàn)象復制品的“電影術(shù)”，另一種是“復雜敘述體系”的藝術(shù)作品。在此基礎(chǔ)上電影又有“片種”的分類，克莉斯汀·湯普森和大衛(wèi)·波德維爾的《世界電影史》就將電影研究對象限定在故事片、紀錄片和動畫片，這也幾乎是大部分電影史寫作方法。麥茨認為：“考察故事片也就直接抓住了問題的核心”，“由于電影遇到了敘事問題，它才逋過后來的各種探索形成了一套獨特的表意手段”。我們所要解決的問題是所謂“電影術(shù)”的影片與后來的故事片之間是何種關(guān)系?它們的共同性在哪里?麥茨回答說：“但是在電影總體的要素之中，有一個特殊的與其他要素極為不同的、在其他藝術(shù)中并非單獨存在的核心要素，那就是影像的論說。”(2)影像既然成為電影的最基本要素，那么也就回答了電影研究的出發(fā)點，即“本位”問題。

“本位”問題是語言學研究的一個基本概念。漢語語法研究是在沿用西方語法研究的基礎(chǔ)上發(fā)展起來的，在中西比較語言學的研究過程中，我國學者提出“本位”問題以應對長期存在著的以西語結(jié)構(gòu)硬套漢語語法結(jié)構(gòu)的誤讀，以此區(qū)別漢語與西語在語法結(jié)構(gòu)上的基本單位。所謂“本位”，如我國學者所說：“對于什么叫‘本位’，各家的理解并不相同。可以指最重要、最根本的單位，作為語法研究的出發(fā)點的單位；可以指語法研究的基本單位，這種單位還可以不止一個；可以指語言基本結(jié)構(gòu)單位，語法研究的‘基本粒子’。”將“本位”概念應用于電影研究中，同樣具有重要的方法論意義和實踐意義。本位問題的價值在于尊重語言的獨特性，將本位概念運用到電影研究中，同樣是為了要強調(diào)尊重電影以影像為基礎(chǔ)這一特殊性。作為傳播的媒介，電影影像作為人工語言與自然語言是完全不同的。麥茨說：“就語言來看，有口頭語言和文學的分別，兩者涇渭分明，但電影只有一種，電影就是‘電影’而已。”正是電影的這種語言和藝術(shù)雙位共存的特性，使得電影很自然地與文學結(jié)親，麥茨說早期的電影家們都是從文學的角度來思考電影的，原因就在此。也正因為此，影像所包含的確定因素與不確定因素的混雜，必然給電影研究帶來本體論的困惑，影響了電影研究的對話基礎(chǔ)，因此，提出影像本位，正是為了解決電影研究的共同基礎(chǔ)，即出發(fā)點問題。

而這一命題所涉及到的電影本體論、社會學、人類學、心理學、精神分析學、認知理論等更關(guān)乎人類發(fā)展的核心意義：世界已經(jīng)進入到圖像時代或景觀世界的階段，視覺文化已經(jīng)成為文化的核心形態(tài)。電影所體現(xiàn)的影像視野，作為圖像時代的表現(xiàn)形態(tài)，實際上已經(jīng)不再囿于藝術(shù)領(lǐng)域，而更廣泛地擴展到人類生活的各個方面，成為認知的基本出發(fā)點。因此“電影的獨特性”的命題使得“電影是什么”這樣一個設(shè)問成為跨越歷史空間的常命題，并非是“音樂是什么”、“文學是什么”這類問題的翻版或延伸。

二、電影研究史中本位問題的歷史回顧

電影導演說：“其實電影和小說在閱讀上是不一樣的……所以用鏡頭去思考與用文字去思考一樣，是獨立的。”電影理論家說：“整體來看，電影首先是一樁事實，它牽涉到的問題包括了美學、社會學、符號學，以及理解和領(lǐng)悟的心理學。一部電影不管好或壞，首先，它是一部電影。”人們接觸電影的方式有許多種，不可能只有一種，不同的理論與批評出發(fā)點與歸結(jié)點并不相同，但事實上都在回答“電影是什么”這一設(shè)問，但它們的結(jié)論同它們所持的理論本位是一致的。

德國心理學家明斯特伯格作為最早的電影心理學的研究者，是從完形心理學原理角度人手對電影進行研究的。他實際上討論的是觀影經(jīng)驗與心理感知機制的過程，他將電影的運動看作是一種“幻覺”：“這里運動的經(jīng)驗顯然是由觀察者的心理造成的，而不是由外界的刺激引起的。”愛因漢姆作為明斯特伯格的理論繼承者，則從影像與視像的差異入手，提出電影作為藝術(shù)的根據(jù)。這里，他將視點從觀眾轉(zhuǎn)向了影像，但仍然是以影像為基礎(chǔ)，以觀眾為歸結(jié)點。在方法論上，他并沒有將這兩者區(qū)分開來：“大腦為了把握外部世界，必須完成兩次工作：一，必須獲得有關(guān)它的信息；二，對這些信息進行加工處理。”我們發(fā)現(xiàn)，心理學派的理論出發(fā)點是影像／客體與觀眾／主體雙位共存的。巴拉茲·貝拉是從唯物辨證法的角度提出電影的文化意義的：“這并不是說，人類將要掌握代替說話的聾啞人的手語，而是要掌握對正在直接用人體表現(xiàn)精神的視覺表現(xiàn)能力。于是，人再一次變得可見了。”巴拉茲提出來了電影的敘述、表達問題，至少在功能上將電影看作是一門語言。持相近觀點的是以愛森斯坦為代表的蘇聯(lián)蒙太奇學派：“善于以電影形象去進行思考，想象出一個事件日后由若干片斷組接起來而有順序地出現(xiàn)在銀幕上的樣子；把真實事件只作為素材，從中選取一些富于特征的要素，然后用這些要素創(chuàng)造出一個新的電影現(xiàn)實——這就是電影導演工作的特點。”愛森斯坦同樣是從敘事、表意的功能出發(fā)，將蒙太奇看作是一個表達思想的手段。本質(zhì)上，蒙太奇學派也是一種電影語言學派，鏡頭及其組合只是電影的詞法與句法。蒙太奇學派試圖找到意義表達的最基本單位，但是他們將意義建立在畫面的聯(lián)系與沖突中，忽略了、甚至貶低了影像畫面自身獨立意義的認定。

安德列·巴贊從本體論和心理學機制兩方面考察影像：“影像本體論和影像心理學構(gòu)成了巴贊的電影生產(chǎn)元機制理論，這是他的美學體系的支點，也是他對電影的基本認識。”在申明影像的本體論意義的同時，巴贊仍然沿續(xù)的是傳統(tǒng)的心理學解釋，將理論視點轉(zhuǎn)向影像的后段程序：觀眾心理的意義；而克拉考爾則是將視點引向影像的前段程序：物質(zhì)現(xiàn)實。克拉考爾似乎肯定了影像的客觀性，卻在無意中成為了“具體現(xiàn)實的”被動紀錄與展示，影像的作用反而被淡化了。

米特里同樣將電影看作是一種語言，他的成就是分析了影像在意義產(chǎn)生過程中的特殊性：“從未有人認為電影是完全意義上的認識，電影主要還是更完整的、更純粹的、與某種意義或某種審美價值相聯(lián)系的‘感悟’。這是一種直覺認識，……它與理性認識很少相似。”他第一次肯定了影像的能指與所指的同一性是電影的最重要的特性：“影像的第一層意義便是被再現(xiàn)物的意義。……作為‘再現(xiàn)體’的影像并不表示任何附加的東西。它僅僅是展示。”他同時又指出：“影像可以超越它所映現(xiàn)的這個事實：再現(xiàn)形式成為它所再現(xiàn)的事物的某種具體符號(信號)，同時，又是‘凝聚了’被再現(xiàn)的現(xiàn)實的一切潛在特征和‘一切存在潛能’的相似體。”在肯定影像的意義的同時，他同樣引進了心理學因素：“……因為這種‘蘊涵’是以一組心理的自動性為依據(jù)的，而心理的自動性又是以涉及感知和判斷的心理反應為依據(jù)的。”

麥茨吸收了米特里關(guān)于影像意義的研究成果，認為影像是無編碼的信息，他首先在影像中確立意義要素：“在電影中，意義上的單位元素——或者說要素——呈現(xiàn)在影像中的，不但繁多，而且連續(xù)不斷，即使最聰明的觀眾也無法全然掌握。大致而言，只要大約了解主要的要素，大約掌握其中的主要的意義，再笨的觀眾都是能夠粗略理解一部影片的。”但就影像的性質(zhì)而言，他指出了由于視覺景觀所帶來的能指與所指的同一性，影像沒有雙重分節(jié)，但從敘述的角度他提出了影像符號具有直接意指與間接意指兩個層面：所謂直接意指(外延)是指影像或聲軌重現(xiàn)的景觀與聲音，而間接意指(內(nèi)涵)，則指由附著在影像符號外延涵義上的純美學的安排，如“風格”、“樣式”、“象征”、“詩意”等。

意大利符號學家艾柯將影像作為一個獨立的研究對象，從本位的角度提出了影像符碼三層分節(jié)說。他將影像分為靜態(tài)的三層分節(jié)與動態(tài)的三層分節(jié)。影像作為一個符碼自身是不具有意義的，在影像中能指與所指是同一體，那么在作為符碼時，影像只是一個能指，它的所指是潛在的，沉睡著的，因此，影像在符碼階段是沒有所指的能指。而影像進入電影創(chuàng)作，符碼進入重建階段，它的所指才會被激活，這個激活過程是由導演、觀眾、社會群體、文化形態(tài)共同參與完成的。因此，影像的雙重性不是雙位共存的問題，而是前后兩個階段的關(guān)系問題。這樣不僅解決了影像意義的傳送問題，而且為影像本位提供了理論根據(jù)。

上世紀60年代以后，視覺文化成為電影理論研究的重心，在這一過程中，拉康的精神分析學說成為重要的思想基礎(chǔ)和方法論來源。拉康是從主體確認的角度探討人的認知問題的，拉康說：“主體就是我在世界之中的在場模式，只要把它唯一地還原為存在一個主體這樣一種確定性，它就變成了能動的殲滅力量。事實上，哲學沉思的過程把主體推向了變革歷史的行動，并且圍繞這一點，通過能動的自我意識在歷史中的變形來規(guī)范這一自我意識的構(gòu)型范式。”拉康主體還原設(shè)定為意識優(yōu)先原則，由此提出其人手的途徑為“凝視”，“在視覺關(guān)系中，依賴于幻覺且使得主體在一種實質(zhì)的搖擺不定中被懸置的對象就是凝視。它的優(yōu)先性——主體一直以來也是因此而被誤解為依賴于它的存在——就源于它的結(jié)構(gòu)本身”。正是基于凝視的特性，拉康提出了“鏡像階段”的理論：“我將鏡像階段的功能視做‘心象’功能的一個特例。這個功能就是要在有機體與現(xiàn)實之間——或者，如他們所言，在內(nèi)在世界與外在世界之間，——建立起某種關(guān)系。”顯然，拉康的意識理論是建立在視覺的基礎(chǔ)之上，由此影響到阿爾杜塞為代表的意識形態(tài)理論和隨后的鮑德里的“洞穴”與“夢境”理論與齊澤克為代表的后現(xiàn)代電影研究。

但是，艾柯與在拉康基礎(chǔ)上做出獨特貢獻的德勒茲關(guān)于影像研究的成果更值得重視。吉爾·德勒茲的兩部著作：《電影1：運動－影像》、《電影2：時間－影像》重新詮釋了柏格森的感知理論，他從影像與思維關(guān)系的角度展開對影像的研究，既包含了艾柯關(guān)于影像的確定性原則，也融合了拉康關(guān)于影像的認知因素。德勒茲的研究確認了影像作為思維模式的獨特性，將影像從觀看對象中解放出來。這樣，影像作為研究的本位，它的“節(jié)奏”、“調(diào)性”這些確定性因素就成為影像自身“創(chuàng)造力”而被肯定了。

從本位原則出發(fā)，我們大致可以將電影研究史上主要的研究理論分為六類：

第一類，以明斯特伯格與愛因漢姆為代表的心理學派。他們的研究是從影像的心理基礎(chǔ)人手的，是一種影像本位，但他們的影像觀是與心理聯(lián)系在一起的。

第二類，蘇聯(lián)蒙太奇學派。愛森斯坦等人同樣重視影像自身的重要性，但他們更強調(diào)影像之間的聯(lián)系、組合、沖突對意義產(chǎn)生的決定性因素，因此，他們實質(zhì)上是一種組合本位論。第三類，巴贊與克拉考爾為代表的現(xiàn)實主義派。也同樣是從影像入手的，特別是巴贊強調(diào)了影像的本體論原則，但巴贊是從本體引申到了原始心理情結(jié)；而克拉考爾則將影像與自然聯(lián)系了起來。

第四類，米特里的語言學派。米特里明確提出了影像的雙層性。

第五類，符號學派，麥茨提出了影像的重要性，但他在面臨影像分析困惑時，轉(zhuǎn)而將重點放在組合段理論上了。而真正直面影像本位的是艾柯和德勒茲。

第六類，受拉康為代表的精神分析學派影響的后現(xiàn)代電影的代表。他們在實際上是一種視覺本位論。

如果將這六類進一步歸納的話，大致是三類：一是影像本位；二是組合本位，三是視覺本位。如果說，后兩類“組合本位”與“視覺本位”的分歧不大的話，那么第一類“影像本位”即對影像的理解，存在著很大的歧義。

我們看到，多數(shù)理論家們在對影像的把握時，幾乎無一例外地提到了影像畫面的雙位共存性，這種雙位共存，或者將影像與觀眾聯(lián)系在一起，或者與被攝物聯(lián)系在一起，影像并不具有獨立性。將影像與視像(表征)混淆在一起，本質(zhì)上仍然是一種從視覺本位出發(fā)的表征原則。因此，他們的影像觀，其實與艾柯的影像理論是有重大區(qū)別的。艾柯的影像符碼三層分節(jié)說的價值正在于揭示了影像的確定性關(guān)系。與艾柯一樣，真正堅持影像本位的還有從影像創(chuàng)造力人手研究的德勒茲。而視覺本位則是建立在極大的不確定性上的。．視覺是人類五種感覺(視、嗅、聽、觸、味)中最為高級的感覺，它的感知行為遠離身體的物質(zhì)性的能力，實際上是一種無意識行為，視覺本質(zhì)上則表現(xiàn)出一種權(quán)力關(guān)系。因此，視覺本位具有個人行為的不確定性。電影研究從視覺本位出發(fā)，則自然地包含了影像的確定性與視覺的不確定性共存的困惑。

三、影像與表征問題

電影研究的不同本位是基于不同的理論目的的。從表面上看，無論是影像本位還是視覺本位都是建立在電影敘述功能上的。電影的表情達意的功能，促使人們考慮導演與觀眾在電影意義生產(chǎn)與傳播中的作用。但我們看到，如果將電影看作是一門藝術(shù)品，就要關(guān)注影像的審美作用；如果將電影看作是一種語言，就會關(guān)注影像的聯(lián)結(jié)與結(jié)構(gòu)；如果看作是意識形態(tài)的生產(chǎn)機制，影像必然會社會化；如果是一種文化，影像則是它的表征……但正如我們前面所提到的，當將影像活動看作是一種正在日益成為我們社會認知的主要形態(tài)的話，影像本位不僅是電影研究的本位，同時也是認知的本位。這一本位的核心要求就是影像的確定性。盡管在上文已經(jīng)涉及到了影像的雙位共存問題，在這里我們還要進一步將影像與表征作深入地區(qū)分。

篇（6）

2.微門檻、低成本便于大學生參與個人拍攝微電影并不需要專業(yè)的攝錄設(shè)備，這為學生進行微電影創(chuàng)作提供了更多的可能性。專業(yè)實踐設(shè)備資源不再成為學生作品創(chuàng)作的障礙，網(wǎng)絡(luò)、手機、相機、DV等移動媒體在大學生群體中基本普及，隨時隨地都可以進行創(chuàng)作。中國高等院校影視學會會長、中國傳媒大學傳媒藝術(shù)與文化研究中心主任胡智鋒教授認為，微電影的興起與發(fā)展成為影視教育人才培養(yǎng)新的有利的載體和手段，微電影短小、精致、低成本的特點有利于融入課堂教學和實踐教學之中，成為新的人才培養(yǎng)手段和模式。

3.微周期制作可以較快檢驗教學成效微電影雖微但卻濃縮了正規(guī)電影的所有結(jié)構(gòu)，包括劇本創(chuàng)作、前期拍攝、錄音、音樂、舞美、燈光以及后期制作等過程。通過微電影創(chuàng)作進行實踐教學，有利于高校影視藝術(shù)專業(yè)在短時間內(nèi)檢驗各個專業(yè)課程教學的實際效果，能較快地體現(xiàn)教學成果。由于微電影篇幅短小以及投資拍攝周期短等特性，決定了其非常適合大學生參與其創(chuàng)作活動，它可以使得學生綜合能力與素質(zhì)得到全面的提升和鍛煉。同時，表演、攝影、編導、設(shè)計等藝術(shù)類不同的專業(yè)學生也可以共同參與和創(chuàng)作。對實踐教學而言，這種相對低成本和時長短小的影片制作，有助于讓學生對影視作品的生產(chǎn)傳播形成快捷、完整的認知。

二、微電影在影視藝術(shù)實踐教學中的實際運用

1.讓學生在微電影創(chuàng)作中體驗影視制作的完整流程微電影創(chuàng)作需要具備完整的策劃和系統(tǒng)的制作體系、作品本身具有完整故事情節(jié)，是團隊協(xié)作的產(chǎn)物，微電影的濃縮特質(zhì)有助于開展全流程實踐教學。由于其低成本、微周期的特點，微電影創(chuàng)作往往只需要極少數(shù)人的參與，因此制作者必須熟悉并參與到作品創(chuàng)作的各個環(huán)節(jié)上。在影視藝術(shù)實踐教學中，我們要求學生以小組為單位進行微電影創(chuàng)作，鼓勵學生與有經(jīng)驗的學長合作來進行學習，掌握影視創(chuàng)作的全部過程。學生從最初的劇本創(chuàng)作、前期拍攝到后期合成，每個步驟都親身參與，通過微電影創(chuàng)作來體驗影視制作的完整流程，提升學生在影視藝術(shù)領(lǐng)域的綜合能力，使學生能真正成為影視制作領(lǐng)域的通才、全才。

2.以微電影創(chuàng)作為紐帶，使學生通力合作、加強交流微電影作品涉及的題材和行業(yè)較為廣泛，構(gòu)思巧妙，形式多樣，學生圍繞興趣愛好拍攝不同題材、反映不同主題思想的微電影作品，從而提升并完善自身的創(chuàng)作水平。微電影創(chuàng)作甚至可以吸引不同國籍、不同院校、不同專業(yè)的學生在一起通力合作。事實上，微電影已經(jīng)超越了影視專業(yè)的范圍。北京電影學院攝影家穆德遠認為，電影已經(jīng)發(fā)生了很大的變化，就是其載體發(fā)生了變化，如今的電影不僅通過院線、屏幕傳播，而且通過手機、電腦進行傳播，這是當前多媒體發(fā)展的必然趨勢，微電影正是在這樣的背景下產(chǎn)生的，既有影視的元素，又有新聞、藝術(shù)的元素。可以說，微電影在各個學科交叉、交融中不斷發(fā)展，因此各專業(yè)學生都能夠參與微電影創(chuàng)作、拍攝。

3.鼓勵學生參賽，將學生作業(yè)變?yōu)樽髌酚耙曀囆g(shù)實踐課程教學大多是以提交作品的方式來進行課程考核的，將學生的微電影創(chuàng)作與參加各種影視作品大賽結(jié)合起來，鼓勵學生用微電影形式探索多樣化的原創(chuàng)影像，培養(yǎng)自身創(chuàng)作能力和實踐能力，讓學生能更多地了解國際影視創(chuàng)作的發(fā)展趨勢和我國當代大學生的專業(yè)追求。從2012年起，武漢工程科技學院先后參加了兩屆由中國高等院校影視學會、中國文化信息協(xié)會、中國社會科學院世界傳媒研究中心、首都師范大學科德學院主辦，北京電影學院、中國傳媒大學、韓國清州大學協(xié)辦的“國際大學生微電影盛典”，在首屆盛典上，我院09級學生作品《你是我的眼》獲得紀實類三等獎，還成功入圍“半島國際紀錄片節(jié)”。國際大學生微電影大賽讓教學成果真正有機會參與國際交流，與世界共享，也鼓舞和帶動了更多的同學積極參與到微電影創(chuàng)作中來，同時讓老師對微電影在實踐教學中的重要性有了新的思考和探索。在第二屆比賽中，我院有4部作品在比賽中獲獎，其中10級學生作品《外教夫婦和他們的九個孩子》榮獲最佳短片單項獎、《魚》榮獲動畫動漫類二等獎，另有2部作品榮獲紀實類三等獎，大賽組委會根據(jù)學生投遞微電影作品的數(shù)量和質(zhì)量還為我院頒發(fā)了本次微電影盛典評選活動的組織獎。微電影作品參賽實現(xiàn)了從學生作業(yè)到學生作品的轉(zhuǎn)變，是學生實踐教學重要成果的提升，對老師的教學水平、責任心和管理能力也提出了更高的要求。只有將日常實踐教學與比賽相結(jié)合，讓學生針對比賽主題量身定做、集中精力進行創(chuàng)作，將學生實踐教學作業(yè)變成國內(nèi)外影像節(jié)的作品，才能進一步加強世界各國大學生在微電影領(lǐng)域的交流與合作。

篇（7）

中國的電影翻譯事業(yè)已走過了五十多年輝煌的歷程。在這半個世紀中,電影翻譯工作者給廣大觀眾奉獻出了許多優(yōu)秀的譯制片,觀眾從這些優(yōu)秀的譯制片中不僅領(lǐng)略、了解到了異國的風土人情,同時也感受到了語言給人帶來的無窮魅力。許多優(yōu)秀譯制片中的精彩對白已成為中國觀眾爭相傳誦的佳句。如“面包會有的,一切都會有的”。(前蘇聯(lián)影片《列寧在一九一八》)曾鼓舞了幾代身處逆境中的中國觀眾。由此可見,電影作為大眾傳媒,其社會效應是無可估量的。然而,在學術(shù)領(lǐng)域內(nèi),由于受世俗偏見的影響,電影翻譯研究卻頗受冷落,翻譯研究人員似乎“完全把這一領(lǐng)域給忽略了。”[1](P99)為此,我國著名影視翻譯界學者錢紹昌教授撰文指出:“翻譯界對影視翻譯的重視遠不如文學翻譯。”而這“與影視翻譯的社會作用不相稱。這一現(xiàn)象亟應引起翻譯界的注意。”[2](P61)鑒于此,本文擬從語言的角度來探討電影翻譯中文化意象的重構(gòu)、修潤與轉(zhuǎn)換。

一、語言與文化意象

語言(Language)不僅是人類思想感情表達與交流的工具,而且是文化的組成部分,是文化的載體。語言能真切地反映一個國家、一個民族的生態(tài)地域、政治經(jīng)濟、物質(zhì)文化、、風俗習慣等。不同的語言決定了不同民族的不同思維方式,行為方式以及語言表達方式。語言在有聲電影中是必不可少的組成部分,因為聲畫同步的視聽藝術(shù)手段能最大程度地模擬現(xiàn)實,創(chuàng)造出酷似“真實”的藝術(shù)時空。如中國觀眾非常熟悉的《簡愛》、《王子復仇記》、《葉塞尼亞》等優(yōu)秀譯制片中那玲瓏別致、清晰明亮、頗具異國風情的語言,逼真、自然、隨意,充滿了生活氣息。因而這些精彩的對白、片段令人百聽不厭,久久不能忘懷,它們留給觀眾余韻不盡的美的享受。文化意象(Cultureimage)是“一種文化符號,它具有了相對固定的獨特的文化含義,有的還帶有豐富的意義,深遠的聯(lián)想,人們只要一提到它們,彼此間立刻心領(lǐng)神會,很容易達到思想溝通。”[3](P184)物象(Physicalimage)與寓意(Connotation)是意象(Image)的兩個重要的組成部分。物象是信息意義的載體,是形成意象的客觀事實;寓意是物象在一定語言文化環(huán)境中的引伸意義。意象的功能即能在不同的語境中,“以具體來表現(xiàn)抽象,以已知或易知來啟迪未知或難知。”[4](P137)如宋代大詩人蘇軾在其著名的“前赤壁賦”中用蜉蝣這種朝生暮死的小昆蟲來比喻人生的短暫,人很渺小:“寄蜉蝣于天地,渺滄海之一粟。”[5](P509)英語諺語Itisthelaststrawthatbreaksthecamel’sback.[6](P1578)意為“駱駝負載過重時,再加上一根稻草也會把它壓死。”諺語中意象詞語thelaststraw“最后一根稻草”,生動形象地寓意為“某事或某物使人到了忍無可忍的極點。”

二、重構(gòu)文化意象

譯制片又稱翻譯片,顧名思義,一些國外優(yōu)秀的影片必須通過翻譯方能為中國觀眾所接受。電影翻譯與其它文學作品翻譯具有共同性,即用形象化的語言來表達形象思維中高超的藝術(shù)意境。但電影翻譯又有區(qū)別于其它翻譯的特殊性,即其譯文要做到能見之于文,形之于聲,達之于觀眾。著名翻譯家Nida指出:“語言是文化的一部分,任何文本的意義都直接或是間接地反映一個相應的文化,詞語意義最終也只能在其相應的文化中找到。”“文化的不同幾乎很自然地體現(xiàn)在語言上的不相同。”[7](P28)

漢語、英語分屬兩大不同的語系。漢語是象形文字而英語是一種字母文字。要在這兩種截然不同的語際間進行成功切換,這對電影翻譯工作者來說不是件易事。但研究表明老一代電影翻譯工作者不僅給觀眾留下了許多耐人尋味的優(yōu)秀譯制片,同時也給電影翻譯研究留下了不少值得研究的課題。筆者80年代初第一次在電視上看到英國電影RedShoes播放時被譯成“紅舞鞋”,覺得也無可厚非。此片主要講述了英國一名芭蕾演員面對愛情與事業(yè)而不能作出正確抉擇,最終走向斷崖的凄惋的故事。盡管“紅舞鞋”正確無誤地譯出了英文的原意,也緊扣劇情,但直譯的平鋪直敘,沒有更深的寓意。觀眾如果光看片名,確實難以激起任何聯(lián)想的波瀾。80年代后期,在一次外國優(yōu)秀影片巡回展的大幅廣告上RedShoes這部英國影片片名被譯成了“紅菱艷”,細細品味“紅菱艷”這一譯文,譯者把那雙纖巧的紅舞鞋比作了中國觀眾婦孺皆知的紅菱。它寓意紅菱雖生長于濁水污泥,卻嬌艷迷人,特別是那兩只彎彎的紅菱角,猶如中國古代女子的三寸金蓮,三寸金蓮雖然小巧,但凝聚了多少女子的血淚,有的甚至為之付出了生命的代價。因此“紅菱艷”這一片名隱含穿著如紅菱般舞鞋的艷麗卻薄命。

譯者把這一極具中國文化特色的文化意象“紅菱”注入其翻譯中,從而成功地重構(gòu)了一幅為廣大中國觀眾所熟悉、能會意、肯接受的嶄新的文化意象。文化意象重構(gòu)(ReconstructionofCultureImage)這一巧奪天工的翻譯手法在電影翻譯中隨處可見。如美國電影WaterlooBridge這一片名原意為“滑鐵盧橋”。眾所周知,1817年英國在泰晤士河上出資建造了滑鐵盧橋,以此來紀念威靈頓公爵指揮英國軍隊打敗拿破侖而取得的滑鐵盧戰(zhàn)役的勝利。如果依據(jù)英文直譯成“滑鐵盧橋”,乍一看,觀眾定會認為這是部與拿破侖打仗有關(guān)的戰(zhàn)爭片或介紹與該橋建筑有關(guān)的紀錄片。但看過此片的觀眾都知道這是一部感人至深的愛情片。

影片描繪了第一次世界大戰(zhàn)期間,年輕漂亮的女演員瑪拉在滑鐵盧橋上結(jié)識了青年軍官羅依,并成了戀人。而后,瑪拉獲悉羅依戰(zhàn)死疆場,痛不欲生,為了生存淪落為妓。當羅依奇跡般地出現(xiàn)時,她無法面對現(xiàn)實,為了愛情和名譽,她再次來到與羅依初戀的地方,喪生在車輪滾滾的滑鐵盧大橋上。

在中國幾千年的文化史中,有著許多與之相仿的神話傳說。如牛郎織女的“鵲橋相會”,陜西省藍田縣一年一度的“藍橋相會”等。而“藍橋相會”的傳說與WaterlooBridge故事情節(jié)有著許多異曲同工之處。所以譯者把原名“滑鐵盧橋”譯成了“魂斷藍橋”,這樣做不僅避開了中國觀眾由于地城文化差異、歷史背景知識缺乏而引起的迷域;而且“藍橋”這一隱含中國文化的意象能使觀眾一看到片名即刻領(lǐng)悟到這是部關(guān)于愛情的電影。電影翻譯中文化意象重構(gòu)的意義在于它能及時有效地達到使譯文與觀眾勾通,使觀眾心領(lǐng)神會的效果,由此來吸引廣大的影迷,創(chuàng)造譯制片票房紀錄的新高。仔細認真研究電影翻譯中文化意象重構(gòu)這樣的翻譯手法會不時令人拍案稱奇。

三、文化意象的修潤

由于中外觀眾知識面及文化背景等方面存在著巨大的差異,電影翻譯工作者應盡可能地幫助觀眾去理解那些與一個民族的歷史、地域文化、宗教習俗等有著密切相關(guān)的語言現(xiàn)象。電影翻譯中如果對某些特定文化意象不作任何修潤(ModificationofCulturalImage)處理,就事論事直譯,會造成這一文化意象的缺損,文化涵義支離破碎。英國電影《魂斷藍橋》[8]一開始,有這樣一段畫外音:Announceer’sVoice:At11:15thismorning,thePrimeMinisteer,speakingtothenationfromNumbeerTenDowningStreet,announcedthatGreatBritainisatwarwithGermany.

廣播員的聲音:今天上午11點15分,首相在唐寧街10號向全國發(fā)表了講話,宣布英國與德國處于交戰(zhàn)狀態(tài)。

應該指出此例忠實地譯出了原文的字面層意義。但對“唐寧街10號”這一隱含文化意象地名不作些補充說明的話,相信絕大多數(shù)中國普通觀眾會茫然不知其所云。其一、觀眾不知道這個“唐寧街10號”在什么地方?其二、他們更不知道廣播員在這里特地提及這個地名有何特別的寓意?為了使電影譯文能在有限的時間內(nèi)達之于廣大觀眾。譯者宜對上述譯文作恰如其分的增補修潤,如:

今天上午11點15分,首相在唐寧街10號———英國首相府邸向全國發(fā)表了講話,宣布英國與德國處于交戰(zhàn)狀態(tài)。

通過增補“英國首相府邸”,觀眾這才真正認識到了“唐寧街10號”的“廬山真面目”。至此,“唐寧街10號”所隱含的意象立體地展現(xiàn)在觀眾的面前,觀眾才真正懂得具有典型地起域文化地名“唐寧街10號”的全部文化內(nèi)涵。又如:

Peter:Oh,this?Well,IlikeprivacywhenIretire.Yes,I’mverydelicateinthatrespect.Pryingeyeeeesannoyme.BeholdthewallsofJerichho!Err,maybenotaaasthickaastheonesthatJoshuablewdownwithhistrumpet.Ijustshowyoumyheart’sintherightplace,I’llgiveyoumybestpairofpajamas.DoyoumindjoiningtheIsraelites?

彼得:這個嗎?我休息的時候不想被別人干擾,在那方面我很敏感,不想被別人偷看。你看這耶利哥城墻,比不上約書亞用號角吹倒的墻厚,卻比它安全多了。你看,我沒有號角,為了表示我的公正無私,我把我那套最好的睡衣交給你用吧。你不想做以色列人嗎?

此例選自英國電影《一夜風流》[9]。這段對白譯文非常具有代表性,因為在這段譯文中出現(xiàn)了“耶利哥城墻,約書亞,以色列人”這三個與《圣經(jīng)》歷史故事有關(guān)的詞語。眾所周知,東方盛行佛教,尤其是在中國,中國觀眾對佛教還可略知一二,而對西方文化,特別是西方宗教歷史文化就知之甚少了。因而在影片切換的瞬間讓中國觀眾把上述三者的關(guān)系聯(lián)系起來是件難事,他們會搞不懂這“耶利哥城墻”、“約書亞”、“以色列人”之間究竟是什么關(guān)系。直譯用于上述譯文中不僅令中國觀眾丈二和尚摸不著頭腦,同時也失去了電影翻譯的真正意義。

為使中國觀眾明白這三個詞語間的關(guān)系,使原文中所涉及的那些特殊文化意象豐滿起來,譯者應在電影翻譯過程中對這段文字作如下潤色:

彼得:這個嗎?我休息的時候不想被別人干擾,在那方面我很敏感,不想被別人偷看。你看這像《圣經(jīng)》中的耶利哥城墻,雖比不上《圣經(jīng)》里以色列人的軍長約書亞用號角吹倒的墻厚,卻比它安全多了。你看,我沒有號角,為了表示我的公正無私,我把我那套最好的睡衣交給你用吧。你不想做以色列人嗎?

由于對“耶利哥城墻”、“約書亞”、“以色列人”這些出自《圣經(jīng)》故事的詞語增補了必要的文化涵義修潤詞后,觀眾不僅了解了這些“典故”的出處,同時在上下語境中也弄明白了最后一個詞語“以色列人”的特定意指。修潤增強了語言文字在語境中的透明度;增強了文化意象在觀眾認識理解中的清晰度。

四、文化意象的轉(zhuǎn)換

語言學家認為世界上各族人看到的同一客觀現(xiàn)象,不同的民族語言會給它“刷上不同的顏色”。緣于此,文化意象的錯位(NonequivalenceofCultureImage)會具體表現(xiàn)為作為喻體的文化意象上的差異。換言之,在一種文化傳統(tǒng)中一個具有正面寓意的美好文化意象在另一種文化里卻成了反面寓意的丑陋文化意象。如英國電影《呼嘯山莊》[10]中有這樣一個片斷:

Isabella:It’sabrother’sduty,dearEdgaar,tointroducehissisteertosomeothertypethanfopsandpaleyoungpoets.

Edgar:Oh,youwantadragon?

Isabella:Yes,Ido.Withafierymustache.

篇（8）

表12002年7月1日—9月1日，香港本土電影票房數(shù)據(jù)

片名上映周數(shù)票房累計(單位：萬港幣)票房冠軍周數(shù)

《我左眼見到鬼》(銀河映像)520001

《絕世寶貝》(一百年)418522

《天脈傳奇》(浩瀚)411031

《這個夏天有異性》(寰亞)4946

《慳錢家族》(寰宇)5842

《幽靈人間2：鬼味人間》(寰亞)3528

《枕邊兇靈》2258

《香港有個好萊塢》337

《心慌方》(安樂)316

注釋：

①表1、表2、表3、表4數(shù)據(jù)均來自(漢電影網(wǎng)站)，4表均由筆者編選制作。

表22001年7月1日—9月1日，香港本土電影票房數(shù)據(jù)

片名上映周數(shù)票房累計(單位：萬港幣)票房冠軍周數(shù)

《少林足球》(星輝海外有限公司)1060443

《瘦身男女》(一百年)74033

《全職殺手》(天幕)425501

《同居密友》(電影動力)41819

《蜀山》(中國星)31162

《愿望樹》(東方)2740

《吧啦吧啦櫻花》(嘉禾)3675

《買兇拍人》(嘉禾)3171

《七號差館》(東方)1150

就表1、表2來看，雖然同樣的暑期檔(7月1日—9月1日)，兩個年度進入每周十大賣座排行榜內(nèi)的港片數(shù)量基本一致，但票房成績卻相差很遠。如此大幅度的票房滑落是史無前例的。2002年之前，好萊塢電影在許多國家囊括了50%到90%比例不等的市場份額，但獨獨在香港頗受冷遇，票房占有率不及香港本土電影的1/3。據(jù)統(tǒng)計，1970年至2001年31年間的香港電影市場，好萊塢電影的平均票房收入從未壓倒過港片，占有量少于總票房的三成。在每一年的票房“十大”或“二十大”影片中，港產(chǎn)片也都是占盡優(yōu)勢。1981年斯皮爾伯格的《奪寶奇兵》(RaidersoftheLostArk)打不過香港影片《人嚇人》、《投奔怒海》，票房排名第16位；1989年真人與動畫結(jié)合的美國影片《誰陷害了兔子羅杰》(WhoFramedRogerRabbit?)，香港票房不及王晶《賭神》的1/3。即使在1993年以后政治因素一定程度影響香港電影產(chǎn)量的情況下，雖然好萊塢在港境遇略有改善，但票房占有率也絕對達不到50%。

為什么2002年暑期會走到有史以來的最低谷呢?或許2001年暑期市場的火爆，是因為沒有相應的外國勁敵所致?為廓清這層疑義，我們可以考量以下數(shù)據(jù)：

表32002年7月1日—9月1日，外國影片在港票房數(shù)據(jù)(前五位)

片名上映周數(shù)票房累計(單位：萬港幣)

《蜘蛛俠》(Spider-Man)72900

《未來報告》(MinorityReport)52253

《黑衣人》(MenInBlack2)42052

《精靈鼠小弟2》(StuartLittle2)3925

《星際寶貝》(Lilo&Stitch)5859

表42001年7月1日—9月1日，外國影片在港票房數(shù)據(jù)(前五位)

片名上映周數(shù)票房累計(單位：萬港幣)

《珍珠港》(PearlHarbor)62421

《人工智能》(ArtificialIntelligence)41841

《盜墓者羅拉》(TombRaider)41625

《尖峰時刻2》(RushHour2)41329

《侏羅紀公園3》(JurassicPark3)21007

兩個年度登香港暑期市場的好萊塢電影，基本水準、國際聲譽、市場競爭力都旗鼓相當，這從大都在3000萬港幣內(nèi)上下浮動的票房數(shù)據(jù)中可清晰得到印證。但為何本土市場會落得如此迥然不同的境遇呢?

二、香港電影產(chǎn)業(yè)：多重危機

這種滑坡可以追溯到上世紀下半期。港片一直以應接不暇的姿態(tài)展現(xiàn)于東南亞、韓日及歐美市場，不僅票房一路飆升，而且還成功構(gòu)建出全球華語電影的市場網(wǎng)絡(luò)。但高速增長的票房背后，卻根基不穩(wěn)。從1993年以來，香港電影市場開始出現(xiàn)較大跌幅，直至1999年。其間不僅每年跌幅依次為7.58%、15.06%、19.34%、12.65%、21.4%、22.34%、22.34%，[1](P8)而且1999年票房與1992年相比跌了近一半。其后以《少林足球》為代表略有回升，但2002年卻又跌到最冰點。這種連續(xù)多年跌落又瞬間回光返照的市場狀況，隱藏著莫大的危機：

(1)資本危機金融風暴以后，東南亞電影市場嚴重萎縮，以往源源不斷流入香港影壇的臺灣、馬來西亞等資金銳減八成。以往平均每部港片制作費有1500萬港幣，年產(chǎn)200部，所需資金為30億港幣，而現(xiàn)在年產(chǎn)120部資金總共才8億港幣，平均每部暴跌至700萬。制片人只能采取大幅度降低成本、粗制濫造的生產(chǎn)方式，繼而又帶來惡性循環(huán)。

(2)行業(yè)危機觀眾的欣賞口味不斷現(xiàn)代化，喜劇片、動作片等類型已受一定程度的唾棄。大規(guī)模工廠流水線式粗制濫造的劣質(zhì)影片也趟渾了整個香港電影產(chǎn)業(yè)，港片在不知不覺中被打入水準低下、市場萎縮、觀眾不買賬，進而無法再生產(chǎn)的惡性圈套中。從業(yè)人員從高峰期的五萬多人銳減到2002年的數(shù)千人。另外，全行業(yè)沒有一套完整的會計制度控制電影成本，龐大超支為正常現(xiàn)象，一旦市場出現(xiàn)滑落，便很難適應。整個電影行業(yè)呈現(xiàn)出嚴峻的生存危機。

(3)賣埠危機沒有完整的賣埠市場網(wǎng)絡(luò)，這是香港電影的致命弱點。除了像嘉禾集團這樣規(guī)模巨大、又不斷有電影發(fā)行、并有足夠資源發(fā)掘外埠市場的少數(shù)大公司之外，絕大多數(shù)香港電影投資者都局限于東南亞市場。當這些市場萎縮，多數(shù)小公司開拍新片就沒有可能，即使能開拍，也只能以低成本制作的方式，降低質(zhì)量。同時港產(chǎn)電影越是不景氣，人才越是外流，臺前幕后的優(yōu)秀人才紛紛到海外，再回來幫助外國電影分占港片市場，令本土電影賣埠市場雪上加霜。

危機的產(chǎn)生，源于最本質(zhì)的香港電影產(chǎn)業(yè)制度。

具體呈現(xiàn)出以下特點：

(一)大公司主宰的垂直統(tǒng)合模式

電影生產(chǎn)投資大、賺錢快。但單部電影公映壽命較短，不僅賺的是小錢，而且還有發(fā)行放映部門的利益分成。所以為保證票房收益，必須選擇合適的檔期在多條院線同時上映，這就需要建立電影流通的暢銷渠道。目前香港電影產(chǎn)業(yè)已形成由大公司垂直統(tǒng)合的運作模式，也即：從制作、發(fā)行到放映，甚至后期電影產(chǎn)品的開發(fā)等所有環(huán)節(jié)，均由大公司一手包辦。大公司以實力投資拍攝，豐富創(chuàng)作；自行建立影院，掌握發(fā)行；并且收購一系列影院形成強大的獨立院線系統(tǒng)，保證影片暢銷無阻。

這種大公司主宰的產(chǎn)業(yè)經(jīng)營模式，不是現(xiàn)代市場體制自覺選擇的結(jié)果，但的確具有一定的穩(wěn)固性。最典型的就是“邵氏”公司，從20世紀50年代與“國際電影懋業(yè)有限公司”兩雄對峙，發(fā)展為60年代國語片主導力量，再到70年代開創(chuàng)國、粵語電影并行的集團式局面，一直鶴立雞群；直到“嘉禾電影公司”成立并啟用李小龍和許冠文主演一系列的真功夫片和市民喜劇片，才遇到相應的對手。80年代，以高賣座紀錄起步的“新藝城電影公司”，和接手邵氏電影院線的“德寶電影公司”，與以《殺手壕》《炮彈飛車》等影片推向國際國內(nèi)發(fā)展的嘉禾公司并列成為香港制片界鼎足三勢力。90年代，向華強兄弟“永盛電影公司”因《賭神》《逃學威龍》《鹿鼎記》等高票房電影而最具影響力。另有在港經(jīng)營“東方院線”、在臺經(jīng)營“國片院線”的“東方電影公司”，以及原有“長城”“鳳凰”“新聯(lián)”和新成立的“中原影業(yè)公司”合并成的中資機構(gòu)“銀都機構(gòu)有限公司”。香港電影史上諸如李小龍《精武門》、成龍《警察故事》等絕大多數(shù)有較高藝術(shù)水準和獨特創(chuàng)意構(gòu)思的大制作，開創(chuàng)時代潮流的影片和導演，基本都出自大公司，它們的成就基本上顯現(xiàn)了香港電影的成就。

這種垂直統(tǒng)合的產(chǎn)業(yè)經(jīng)營模式，決定了香港電影采用院線制排片，不可避免壟斷的出現(xiàn)。首先，院線制能最大程度地保證票房。全港擁有三條以上的電影院線，每條院線基本上都超過20家影院，并滲透到每一個有黃金賣點的商業(yè)角落。這樣在推向市場時，就能形成排山倒海的集團式效應，最大程度地保證觀影人次和商業(yè)票房。其次，院線制排片有優(yōu)先權(quán)。擁有院線所有權(quán)的大公司電影可獲得優(yōu)先排映權(quán)，并一般占據(jù)著整年的黃金檔期，剩下的淡期才會讓給被認為能賺錢的獨立制片公司的影片。再次，院線制排片有嚴格的檔期觀念。一般農(nóng)歷新年、圣誕、暑期等黃金檔都會讓給成龍、周星馳等巨星作品或者老少皆宜的合家歡喜劇片，其他稍微不重要的檔期也都排映明星主打的動作、喜劇、槍戰(zhàn)等類型片，最差檔期安排的也必須是有一定票房號召力、至少保證回收成本的影片。

院線制也決定了嚴格的票房機制。上世紀60年代，香港西片院線商就開始建立行內(nèi)互通票房機制，每天以手寫或英文打字印刷成單張，供各戲院、行家參考。70年代初，《娛樂影訊》的出現(xiàn)，使得電影票房開始有了完整的數(shù)據(jù)紀錄，兼有外語片、港產(chǎn)片數(shù)字，稍后又出現(xiàn)十大票房排行，比臺灣、新加坡、馬來西亞等同類數(shù)據(jù)更為完整，為香港電影建立了良好的票房制度。90年代初，香港電影開始以電腦聯(lián)網(wǎng)系統(tǒng)售票和出版票房，走向了精確化。每條院線都有極強的自覺性，不會產(chǎn)生諸如國內(nèi)影院偷漏瞞報票房的事情，因為發(fā)行公司有一整套嚴格的查核程序，而且多條院線競爭也很激烈。

(二)海外市場的強烈依存性

香港被譽為“東方好萊塢”，從1923年黎民偉制作第一部香港本土的劇情長片《胭脂》開始就已經(jīng)確立了海外市場為本位的觀念。只有依賴海外電影市場才能保有生存空間，是香港電影獨一無二的產(chǎn)業(yè)特征。

上世紀二三十年代，香港電影雖然制作技術(shù)和質(zhì)量都比不過當時華語電影中心上海，但憑借粵語方言的優(yōu)勢在南洋大受歡迎。此后馬來西亞、新加坡、印度尼西亞、菲律賓等東南亞國家，一直是香港電影的生存命脈。五六十年代，邵氏和電懋兩家公司在東南亞有完善的發(fā)行網(wǎng)和院線，令香港達到全盛，年產(chǎn)300多部。當時流行的“賣片花”制度，即預先出售電影制成后的版權(quán)或上映權(quán)以籌集資金拍戲，也極大地推動香港電影以工廠流水線方式粗劣生產(chǎn)。70年代，李小龍真功夫電影帶動了歐洲、美洲及非洲等市場，海外市場由原先的20多個國家迅即增長到80多個國家。同時海外市場的消費刺激也促使嘉禾公司采取重質(zhì)不重量的制片策略，又資助獨立公司拍片來滿足不同院線需求，這種做法直接推動了獨立制片人制度的興起，更成為日后香港電影生產(chǎn)的主要模式。80年代中期以后，香港電影生存依賴的主要還是臺灣、新加坡、馬來西亞、韓國等亞洲市場，并所占出口比重越來越大，特別是臺灣市場幾乎與本地市場占有同等地位，因為臺灣政府出于政治考慮一律給予港片國產(chǎn)片待遇。海外市場的紅火也帶動了本地市場，港產(chǎn)片在本地收入不斷超越外國影片。90年代，金融危機等眾多因素導致東南亞、韓日等市場的萎縮，著實給香港電影帶來了危機。于是電影生產(chǎn)更多地受制于海外市場，特別是臺灣市場，因為臺灣賣埠足以支撐港產(chǎn)片創(chuàng)作。

從有完整票房紀錄的1971年開始至今，外埠市場都占港產(chǎn)片總收入的2/3以上，外埠市場決定了香港電影的走向和起跌。海外市場的依存性太強，直接導致了香港電影明星制的建立、題材類型的創(chuàng)作等特點，以及港產(chǎn)影片海外銷售的“華人網(wǎng)絡(luò)”，同時也產(chǎn)生了負面效應，直接形成了不重視劇作、只重數(shù)量不重質(zhì)量這兩個致命的產(chǎn)業(yè)經(jīng)營弱點。

(三)隨意性較強的導演中心制生產(chǎn)模式

海外市場需求的龐大和口味的雜陳，促使香港電影產(chǎn)業(yè)很大程度上淪落為商業(yè)利益驅(qū)動下的一條影像機械工業(yè)流水線，很大程度決定了香港電影生產(chǎn)的隨意性，也決定了香港電影不科學不規(guī)范的產(chǎn)業(yè)化軌跡。它不可能像好萊塢電影那樣采取嚴格的“制片人中心”制度，由既懂電影又懂市場的制片人依據(jù)扎實的劇本來選擇合適的創(chuàng)作班子，而是采用了隨意性較強的導演中心制生產(chǎn)模式。

在香港電影的整個創(chuàng)作過程非常簡單隨意，導演成為創(chuàng)作的核心元素。一個拍片計劃通常始于導演的一個意念，幾個人隨意一聊劇本就差不多了，然后再由專業(yè)編劇形成完整的文學劇本。甚至在還沒有成型劇本的情況下，導演就開始尋找投資，一般稍有名氣的導演只要有創(chuàng)意、故事、明星，很多時候當天就可以拍板確切的資金投入。再遇上徐克、王晶、成龍、洪金寶這樣有票房影響力的導演或監(jiān)制，資金就更不成問題。接下來就可以開始拍攝，劇本是否完整嚴謹已經(jīng)不重要了，導演可以隨意地操刀，反正只要拍出來，海外賣埠就萬事大吉了。“智者千慮，必有一失”，在短平快的生產(chǎn)節(jié)奏中，許多知名導演難免也有馬失前蹄的時候，因此這種隨意性較強的導演中心制生產(chǎn)模式很多情況下也粗制濫造出低劣影片，最后積少成多地形成港產(chǎn)電影創(chuàng)作的惡性循環(huán)。

應該說，在產(chǎn)業(yè)化軌道上，導演中心制生產(chǎn)模式是畸形產(chǎn)物。香港電影需要有既懂市場，又能判斷劇本好壞、導演能力、市場路線和投資額度的優(yōu)秀制片人。著名導演吳思遠說，導演中心制下的電影業(yè)成功是偶然的，而制片人中心制下的電影業(yè)成功才是必然的。

三、香港電影產(chǎn)業(yè)：發(fā)展策略

產(chǎn)業(yè)制度先天存在的種種劣勢，早就彰顯出香港電影產(chǎn)業(yè)亟待拯救的必然趨勢。但發(fā)展策略究竟如何定位?我們不妨考察以下三部影片的運作實況。

2000年李安執(zhí)導的影片《臥虎藏龍》，嘗試集合了來自中國電影合作制片公司、北京華億亞聯(lián)影視文化有限責任公司和英國聯(lián)華影視公司等國內(nèi)外巨額資金，“國際資金聯(lián)盟”的投資方式使它順利進入多個國家的主流商業(yè)電影發(fā)行渠道，而奧斯卡則進一步為其國際市場的暢通無阻提供了催化劑。

2002年暑期，楊紫瓊、鮑德熹主創(chuàng)的《天脈傳奇》繼續(xù)國際融資道路，高達2000萬美元的巨額投資得到應有的回報。上映四星期，香港票房攀升至1100萬港幣，新加坡、馬來西亞也有千萬元票房進賬，特別在國內(nèi)形勢大好，公映首場票房超過30萬，五天票房達1000萬，超過前三地票房的總和，之后接著一路飆升，9月初逼近2500萬。

還有近期公映的創(chuàng)亞洲電影先河的大制作、高水準三段式鬼片《三更》，集結(jié)了香港才氣導演陳可辛、以《茅躉王》成名的韓國精英導演金如云(KimJee-Woon)和以《鬼妻》、《晚娘》等影片聞名全球的泰國王牌導演朗斯尼美畢達(NonzeeNimibutr)，不僅以高票房成功攻克三地本土市場，而且還以“亞洲集團式”的態(tài)勢勝利進軍西方主流商業(yè)電影渠道。

如此顯著驕人的成績，著實可以為目前的香港電影產(chǎn)業(yè)發(fā)展提供一些啟示：

(一)以爭取國際融資和發(fā)展“多國資金聯(lián)盟”作為產(chǎn)業(yè)調(diào)整的首要發(fā)展策略

目前香港電影業(yè)一蹶不振，主要是缺乏投資者。誠如著名導演陳可辛倡議的那樣，香港可以聯(lián)合多個國家共同制作影片，大家共組攝制隊伍，分攤制作費用，獨享本地發(fā)行的收益。這種方式既將單個公司投資電影的風險降低，而且充足的制作經(jīng)費也能保證作品的質(zhì)量，這樣在票房方面就不會像以往那樣風險太大。同時攝制組的“多國部隊化”，也能更加促進各國電影業(yè)的交流，提高電影制作水平，甚至能發(fā)現(xiàn)更多更新的產(chǎn)業(yè)商機。另外，國際融資和“多國資金聯(lián)盟”的運作模式，往往能保證影片的大投入和大制作，進而保證影片藝術(shù)質(zhì)量的大幅度提升，同時大制作占市場比例高，往往可以左右市場，這對于香港電影有著非常重要的意義。據(jù)記載，在整個香港電影發(fā)展史的各階段，每每有大制作出現(xiàn)，大制作多，往往就代表興盛期。從1970年至今的近30部最賣座電影的票房收入，大制作的影片數(shù)超過50%。而近幾年來，投資超千萬的香港電影輕易不敢開拍，也印證著香港電影市場的萎縮。因此爭取國際合作的大制作影片，可以說是解決資本危機的最上上之選。

香港影業(yè)協(xié)會已計劃將“香港電影融資論壇”建成永久組織，定期邀請全球近20個國家的電影公司和投資電影的基金公司的專業(yè)人士參加，希望協(xié)助香港電影界了解融資渠道和尋求國際資金。

(二)注重影片質(zhì)量，從本質(zhì)上解決行業(yè)危機

在最輝煌的20世紀80年代，亞洲各國尤其是東南亞都爭相購買港產(chǎn)片，用港產(chǎn)片來作為支撐本國票房收入的主要支柱；但如今，港產(chǎn)片已經(jīng)變成了“票房毒藥”。兩者間天壤之別的變化，最主要的原因就是港產(chǎn)片整體粗制濫造和質(zhì)量低劣，這種大批量生產(chǎn)的“七日鮮”、“十日鮮”媚俗影片，在爭取海外市場的同時也在不自覺地受到市場的排斥，日復一日、年復一年就積累成海外市場化整為零、港片無人光顧的惡性現(xiàn)象。

為從根本上解決香港電影行業(yè)危機，香港電影產(chǎn)業(yè)發(fā)展必須做到兩點，即：堅決反對和屏棄粗制濫造、重量不重質(zhì)的生產(chǎn)狀況，首先從劇作開始注重、并大幅度地提高影片質(zhì)量，要培養(yǎng)優(yōu)秀制片人中心制度，以多部優(yōu)質(zhì)影片的個案信譽為契機來慢慢奪回港產(chǎn)片原有的海外市場。同時也要加強行業(yè)自身本土性文化觀念和民族化身份認同意識，各大集團公司要自覺地規(guī)劃產(chǎn)業(yè)化進程，積極整合有效的國際化運行策略，促使整體行業(yè)素質(zhì)上升。

(三)建立起現(xiàn)代完整的、產(chǎn)業(yè)規(guī)劃下的海內(nèi)外市場買埠網(wǎng)絡(luò)

市場是電影產(chǎn)業(yè)的生命。不像美國、印度、日本等世界主要電影制作中心都有很龐大的本土市場作為后盾，香港先天不足，人口不過日本的1/20，本土市場固然重要，但單靠本土市場實在是不足以支撐電影產(chǎn)業(yè)的蓬勃發(fā)展。

因此香港電影產(chǎn)業(yè)必須改變沒有完整市場網(wǎng)絡(luò)的致命劣勢，在影片質(zhì)量普遍提高的前提下，積極發(fā)展銀幕營銷、電視營銷、家庭影院、網(wǎng)絡(luò)營銷和相關(guān)商品開發(fā)等“五位一體”的科學營銷構(gòu)架，在全球范圍內(nèi)建立起現(xiàn)代完整的、產(chǎn)業(yè)規(guī)劃下的海內(nèi)外市場買埠網(wǎng)絡(luò)，保證本港電影的暢銷無阻，從而更好地推動香港電影產(chǎn)業(yè)向正規(guī)化、市場化、全球化發(fā)展。

篇（9）

而在當今的亞洲電影中，我覺得惟一還能對得起這段話的，恐怕也就只剩下韓國電影了。

前段時間買了一張叫做《我的野蠻女金剛》的韓國電影，我之前聽都沒聽說過(后來一查才知道，這是韓國的票房冠軍《淘氣少女求愛記》)。不過一看這片名，就知道是走“野蠻女友”路數(shù)的電影，作為一個剛剛從“什么什么斯基”和“什么什么夫”組成的大師迷魂陣中逃出來的人，我很想找點夠庸俗夠搞笑的片子放松一下，就將它拿下。結(jié)果回去以后看的津津有味，很是懷念了一番當年和一幫朋友在錄像廳的小黑屋里看港片的樂趣。

這樣的電影我不說大家都知道，里面一定會有一個搞怪的女孩子，不漂亮也一定可愛，不可愛也一定有個性。然后她一定會遇上一個帥哥，不可愛就一定有錢，沒有錢就一定溫順，如果連溫順都沒有，那他就一定只能用“逆來順受”來形容了。然后就是兩個人搞來搞去，當男主角被女主角玩的將死未死的時候，愛神就象白袍甘道夫那樣出現(xiàn)了。最后兩個人就幸福地遠去，留給女性觀眾無限的遐想和尖叫。

既然這樣的電影路數(shù)是如此鮮明或者說老套，那為什么我還能邊看邊傻笑呢？答案很簡單—因為我們需要娛樂！因為我們需要娛樂！因為我們需要娛樂！

就象《我的野蠻女金剛》，這個套路惡俗的電影之所以還能讓我們看的津津有味，是因為韓國電影在運用這些套路的時候，真的是下了工夫用了腦子。所有的畫面都拍的干凈漂亮，無論主角配角還是群眾演員都很賣力敬業(yè)，搞笑橋段以及煽情段落都火候老練，俗而不媚。雖然這部電影不會讓我們對人生啊，社會啊，哲學啊，宇宙啊什么的產(chǎn)生各種感慨和聯(lián)想，但作為一種面向大眾的娛樂方式，看這樣的電影絕對是讓大多數(shù)觀眾感到物有所值。而作為一個普通電影觀眾，我們還需要什么呢？

對于中國電影來說，現(xiàn)在還有一個最大的毒瘤就是電影評論。其實在中國電影市場中，嚴格地來說是沒有電影評論的。因為電影評論是商業(yè)電影環(huán)境下的產(chǎn)物，在還沒有這樣環(huán)境的中國電影市場中談?wù)撾娪霸u論，無疑是有點過于超前了。但考慮到最近電影評論和電影創(chuàng)作方面連續(xù)發(fā)生的掐架事件，我們還是有必要來仔細地看看當下的中國電影評論到底是怎么回事。

從《英雄》開始，一直到最近的《十面埋伏》，媒體和網(wǎng)絡(luò)的電影評論已經(jīng)開始逐步地向著一個毫無規(guī)則和次序的群體無意識狂歡演進。網(wǎng)絡(luò)上的各種電影評論由于網(wǎng)絡(luò)本身所具有的匿名性以及潛在地追求轟動性等原因，自然是“盡皆過火，盡皆癲狂”，怎么能吸引眼球怎么來。而這種網(wǎng)絡(luò)上的狂歡卻進一步地演化到了正規(guī)媒體的陣地，無疑是由于媒體在電影評論方面自覺不自覺地缺席所導致的。而這種缺席的根本原因，是缺乏一個商業(yè)電影環(huán)境所帶來的良性循環(huán)而導致的。

我們現(xiàn)在所能看到的大部分影評，其實都有點故意和自己較勁的意思，完全是為了評論而評論。其中大部分評論者嚴格地說來其實對商業(yè)電影并沒有什么認識。他們的那些為了吸引注意力的評論完全擰巴了大家看電影的初衷，那就是為了娛樂自己。

我們現(xiàn)在所缺乏的是這樣的職業(yè)影評人—他在電影上映前客觀地告訴那些還沒來得及看電影的觀眾，這個電影是一個什么水準，是否值得花錢買票，看電影的時候什么地方最好看，有哪些東西是粗心觀眾不容易發(fā)現(xiàn)的等等。這些地方雖然看起來簡單但做起來并不容易，因為能夠這樣做的人本身就應該是一個商業(yè)電影專家。至于那些涉及“道德正確”和“政治正確”的問題，最好是先確認一下有沒有這樣的問題再去發(fā)揮。否則以這樣高尚的名義去作出判斷是人人都會而且張口就來的，但是在你為自己“明辨是非”的能力沾沾自喜時，請回頭看看是不是真的這樣。作家王小波曾經(jīng)說過，倘若某人以為自己是社會的精英，以為自己的見解一定對，雖然有狂妄之嫌，但他會覺得明辨是非是一件很容易的事兒。

如果只是就電影本身就事論事，那么電影評論就會成為一個專業(yè)并且愉快的事情。我在這里特別強調(diào)專業(yè)，是因為人們很難對自己不懂的東西說三道四，除非你不怕露怯。而某些打著“夢想推動生活”一類口號的媒體上偽汪國真似的散文小品加囈語，就不能再混跡電影評論之中，除了混淆大家的視聽之外并不能帶給大家什么更有益的東西。

只是現(xiàn)在的狀況很明顯不是這個樣子。永遠都是誰的嗓門大誰就能吸引注意力，誰就能占更多地盤，誰就能接著用更大的嗓門制造噪音。觀眾反而是這些所謂的影評家們不再關(guān)注的群體，他們在這樣嘈雜的環(huán)境下迅速地對電影失去了興趣。如果觀眾在一部電影還沒有上映之前，就已經(jīng)被各種關(guān)于該片道德和政治方向上的爭論以及毫無節(jié)制的引申闡述給搞壞了胃口，而且已經(jīng)對它的情節(jié)了如指掌，甚至比導演還要熟悉該片可能引申出的含義，你說觀眾怎么還能提得起興趣看這部電影呢？

觀眾是永遠不會有錯的，那么出問題的一定是現(xiàn)在的電影評論。

長期以來商業(yè)電影在中國電影市場的缺席，導致中國一直缺乏相應的商業(yè)電影評論體系。起初大家先是在病態(tài)的環(huán)境下全國人民看八部樣板戲，然后是在一種饑渴的環(huán)境下看諸如《廬山戀》這樣的片子，好不容易等電影環(huán)境好一點了，沒幾年盜版VCD、DVD又進來了。在這樣的電影環(huán)境下，我們作為觀眾，對商業(yè)電影體系中重要的一環(huán)—電影評論是缺乏認識的。我們現(xiàn)在所能接觸到的電影評論，它的萌生是出自一個和其他國家電影評論完全不同的土壤—盜版DVD！這些影碟和國內(nèi)電影市場相比優(yōu)勢在于，內(nèi)容涵蓋廣泛，價格低廉，購買和觀賞便利，這些特點與中國的銀幕資源狀況形成鮮明的對比，對于數(shù)量廣大的電影愛好者來說完全是及時雨。隨著電影愛好者培養(yǎng)起來的DVD市場不斷擴大和泛濫，普通電影觀眾才有機會打破中國電影的拷貝資源壟斷，看到了連其他國家影迷很難得有機會看到的大量國外電影。由此建立的電影或者說影碟評論完全是依靠盜版DVD市場才建立起了基本的電影審美觀和評價體系，并由此發(fā)展出一個完全是以看碟為基礎(chǔ)的畸形電影評價體系。

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1.1經(jīng)濟高效大部分客戶都不喜歡將廣告做得具有明顯的商業(yè)性,而是希望能夠?qū)a(chǎn)品植入到電視劇、影視中,以便能夠潛移默化的引導流行。傳統(tǒng)的廣告部分是會存在夸大的成分,例如一些功能型飲料其實并沒有多大的作用,消費者會不認同廣告的宣傳。不過如果將產(chǎn)品廣告植入在影視劇中,成為主人公飲用的飲料,就會加大效果。同時,相對于傳統(tǒng)廣告而言,這種更好效果的植入廣告成本并不高。通常電視臺的廣告都是根據(jù)秒來賣,如果是植入廣告就會增加時間,但是成本卻降低了很多。

1.2無需額外資源植入式廣告直接出現(xiàn)在載體中,不占用額外的廣告時間和版面,植入式廣告符合制片方、媒體、受眾三方利益,擴寬了廣告的空間。此外,植入式廣告還能夠帶來可觀的利益,拿影視劇植入廣告而言,植入廣告的收入可以達到整個投資的百分之十。一則優(yōu)秀的植入式廣告能夠提高受益效果,植入式廣告的完美運用,不僅能夠創(chuàng)收,還會讓受眾享受其中。

1.3投放效應高電視劇、網(wǎng)站等媒體的受眾數(shù)量大,植入廣告的機會隨處可見,而且投放效應還可能超過傳統(tǒng)廣告。消費者被動接受植入式廣告,但是并未引起消費者的厭煩,有的還會提高效應。這種方式讓消費者處于特定的情境中,無形的滲透讓消費者逐步接受品牌價值。

2植入廣告的途徑

植入廣告的載體一直在被開發(fā),從最初的電影、電視劇到節(jié)目、書籍等等,植入廣告的途徑日益得到開發(fā),隨處可見。根據(jù)不同的植入載體,植入廣告的途徑可分為以下幾種。

2.1電視劇植入電視劇植入廣告不僅能夠帶來可觀的經(jīng)濟效益,而且還能夠給受眾留下深刻的印象,我國電視劇植入廣告的發(fā)展也逐步成熟。電視劇植入廣告最早出現(xiàn)在美國的動畫片《大力水手》中,罐頭菠菜廠是《大力水手》的贊助商。這部動畫電視劇成功的讓美國觀眾養(yǎng)成了吃菠菜的好習慣。我國最具典型的電視劇植入廣告當屬《大宅門》,在《大宅門》中成功的植入了東阿阿膠的廣告。通過故事的詳細講述,消費者對阿膠有了深層的了解,同時電視劇播出之后,廠商立即讓電視劇中的主人公斯琴高娃和陳寶國做品牌代言人,創(chuàng)造了前所未有的業(yè)績,并且東阿阿膠至今都在阿膠行業(yè)中保持著泰斗地位。

2.2電影植入電影廣告植入是將商品轉(zhuǎn)化成電影元素的一部分,把商品廣告無形地融于故事情節(jié)之中,甚至是成為故事發(fā)展的必要道具。比較經(jīng)典的有《E.T外星人》,影片中小主人公通過里斯巧克力吸引外星人,影片播出后,里斯巧克力便成為了孩子們的追求,銷售大增。目前我國電影植入廣告還處于起步階段,比較典型是電影《天下無賊》。《天下無賊》廣告植入的運用可謂是無以復加,影片中出現(xiàn)了寶馬汽車、惠普筆記本、佳能攝像機、淘寶網(wǎng)等共12種商品,植入式廣告收入就高達4000萬元。

2.3活動植入活動植入是在活動中將商品作為道具、禮品等,活動植入最早在美國出現(xiàn),典型的活動植入是《美國偶像》,在活動節(jié)目,隨處可見Coca-cola的字樣,AT＆T無線語言宣傳,植入恰如其分。我國活動植入最早出現(xiàn)的是《海飛絲明星學院》,海飛絲以唯一冠名權(quán)在活動中植入產(chǎn)品廣告,以多種形式與節(jié)目融合,取得了很大的效果。

2.4歌曲植入最早的歌曲植入是美國著名黑人說唱樂隊RunDMC的歌曲《我的阿迪達斯》。他們唱著阿迪達斯,還非常重視網(wǎng)球鞋,將其作為人個造型的主打元素。廣告與音樂娛樂實現(xiàn)了有機的結(jié)合。在國語歌曲中也有很多歌曲植入,比如王菲的《ASKFORYOU》,周杰倫的《我的地盤》等等。

2.5圖書植入圖書植入并不陌生,英國著名小說家菲•韋爾頓為其作家和出版商開了先河。他在小說《寶格利關(guān)系》中融入了所有寶格利的產(chǎn)品,后來陸續(xù)出現(xiàn)了很多專門植入小說作家。圖書植入主要出現(xiàn)在兒童學習書籍中,以一些商品名稱冠名的書籍如《好時純巧克力加法書》、《奧利奧餅干數(shù)數(shù)書》等,在書中插入了很多產(chǎn)品的圖片,從而起到宣傳作用。

2.6電子游戲植入游戲內(nèi)置廣告的發(fā)展已經(jīng)開始增速,隨著電子游戲制作水平的不斷提高,為植入廣告造就了更多的機會。比如在《瘋狂的賽車》的游戲場景中多次出現(xiàn)肯德基和必勝客,人們便產(chǎn)生了去此地想法。電子游戲中可以植入的產(chǎn)品領(lǐng)域非常大,涉及到我們周圍生活的所有商品。

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二、導演創(chuàng)作與語言創(chuàng)新

動畫表現(xiàn)是基于視覺暫留現(xiàn)象，而且最初的動畫電影也僅僅是通過圖像的集成表現(xiàn)的，當時沒有有聲的語言，因此，動畫里視覺語言的表現(xiàn)是決定該部動畫電影表達效果好壞的關(guān)鍵。動畫的創(chuàng)作融合了繪畫的藝術(shù)美和漫畫的通俗特性，區(qū)別一般的電影創(chuàng)作。隨著科學技術(shù)的發(fā)展，動畫電影的視覺語言也在不斷的突破和發(fā)展。例如，二維和三維技術(shù)相結(jié)合，聚集二者的優(yōu)勢和特色創(chuàng)作出的動畫電影使人們在是視覺上更有所享受，動畫電影《Krapooyo》即采用3MAX和Flash技術(shù)相結(jié)合的方式創(chuàng)作的，使得整部影片制作出來的效果惟妙惟肖。另外，多層制作技術(shù)的應用也使得動畫電影的創(chuàng)作邁向了一個更高的臺階，不同的制作技術(shù)應用于不同的階段，整部影片演繹下來運用了幾十種的應用程式，最后的表達效果可見一斑。視覺語言是動畫表現(xiàn)的主要媒介，動畫視覺語言不同于一般的藝術(shù)表現(xiàn)形式，是科學與藝術(shù)融合的產(chǎn)物，日本動畫大師宮崎駿的動畫電影《借東西的小人阿莉埃蒂》站在拇指大的小人的視角，展示了我們眼中所見的世界的另一角度的美，從阿莉埃蒂的角度看，一切我們認為很小的東西，通過電影的展示呈現(xiàn)出了不一樣的視覺感受，不僅是這一部電影，宮崎駿的動畫電影都借用先進的科學技術(shù)和他獨有的審美為觀眾帶來不一樣的視覺享受，令人身心愉悅。除此之外，動畫電影制作還采用多元化的表達方式和顛覆傳統(tǒng)觀看方式等形式進行著創(chuàng)新。然而，動畫電影的語言創(chuàng)新之路還很長遠，需要電影制作者不斷的開拓，從而在設(shè)計制作中賦予動畫令人耳目一新的視覺享受。動畫的藝術(shù)表現(xiàn)力很是強大，動畫電影發(fā)展的起步時期，制約它向前的發(fā)展是技術(shù)問題，如今動畫制作運用的技術(shù)已經(jīng)取得了很大的進步，現(xiàn)在制約動畫發(fā)展的卻是導演的主觀創(chuàng)作，導演及其創(chuàng)作團隊對動畫電影的制作起著至關(guān)重要的作用，在其創(chuàng)作中應該傳遞真誠的人生觀、世界觀和價值觀，只有這樣才能使得動畫制作具有獨特的藝術(shù)價值。